Archive for the ‘ARTE + FE’ Category

la prueba de mi verdad

31 marzo, 2015

BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA: “LA PRUEBA DE MI VERDAD

En marzo de 2015 se celebra la Conmemoración del V Centenario del nacimiento de Santa Teresa de Jesús, y con este motivo la Biblioteca Nacional de España (BNE) y Acción Cultural Española (AC/E) organizan Teresa de Jesús, una exposición que, a través de 110 piezas entre libros, pinturas, grabados y esculturas, muestra la inmensa riqueza de su vida, su labor como fundadora y, sobre todo, la originalidad y belleza de su obra literaria.

Los comisarios de la muestra, que podrá verse entre el 12 de marzo y el 31 de mayo de 2015, son Rosa Navarro Durán, filóloga y Catedrática de Literatura Española de la Universidad de Barcelona, y Juan Dobado Fernández, carmelita descalzo, licenciado en Teología, doctor en Historia del Arte y director del Museo de San Juan de la Cruz de Úbeda y de la revista Miriam.

La exposición narra la vida de Teresa de Jesús a partir de su obra escrita; en ella, las páginas de sus libros se abren al público, convirtiendo sus palabras en imágenes, y acompañando todo el recorrido con su pensamiento. Se descubre la vinculación que la escritora tuvo con importantes personalidades de su época, como el rey Felipe II o la duquesa de Alba. San Juan de la Cruz compartió con ella la voluntad de vivir la vida monástica con pleno retiro, oración y humildad, de reformar la orden carmelita, y su figura aparece a su lado en un tramo de la muestra. Sería Fray Luis de León quien editaría las obras de santa, por lo que la presencia del gran humanista es obligada.

El visitante se adentra en el mundo teresiano a través de su nacimiento e infancia, su entorno y sus primeros contactos con los libros. Tras esta etapa sucede su crisis física y emocional, la entrada en el convento y sus continuas lecturas de los padres de la Iglesia. La escritora, sus libros, la fundación de conventos y la extensión de su obra, son los siguientes escenarios que analiza la exposición antes de llegar a sus últimos días y su fallecimiento en Alba de Tormes.

El verso de Teresa de JesúsLa prueba de mi verdad, resume lo que pretende ser esta muestra sobre su vida y obra en la conmemoración del V centenario de su nacimiento”, señala Rosa Navarro. “El discurso de su vida marca el camino, y sus palabras ilustran ese transcurso vital que comienza un miércoles, 28 de marzo de 1515, y se apaga en octubre de 1582 para empezar a brillar desde entonces como ejemplo para todos”.

Publicadas por Fray Luis de León en 1588, algunas de las obras de Teresa de Jesús se convertirían en obligada referencia de la literatura mística de todos los tiempos.

Toda la vitalidad y la gracia con que fueron escritos se ha conservado íntegramente en textos tan señeros como el Libro de la Vida, que es su autobiografía, en donde habla de su apasionante y turbadora experiencia mística, pero donde también da cuenta de su primera fundación, la del convento de San José de Ávila. El Libro de las fundaciones, en el que describe su inmensa labor reformadora, el Camino de perfección, con valiosos consejos para sus seguidoras, o las Moradas del Castillo Interior, donde concibe alegóricamente el alma como un castillo compuesto por siete aposentos en el centro de las cuales se funde aquella con Dios”, declara Navarro.

VIDEOS:

Himno del V Centenario de Santa Teresa

https://www.youtube.com/watch?v=VTge3xXr8YY

Juan Pablo II en Ávila, España (01-11-1982)

https://www.youtube.com/watch?v=l6Vtw2eTerQ

Aqui vive teresa

https://www.youtube.com/watch?v=DxUsFhprI-M

Adriana Ozores – Coloquio Amoroso de Santa Teresa (***)

https://www.youtube.com/watch?t=40&v=46iN6tsmUEU

Espiritualidad naturalizada. Camino Cañón Loyes. 

https://www.youtube.com/watch?v=9tEEgIVqrUo

Jaime Siles sobre Santa Teresa

https://www.youtube.com/watch?v=GIbJPu87P8E

Santa Teresa y América (***)

https://www.youtube.com/watch?v=Zys8hrR3RkI

Noches del Alba, Semana Teresiana en Úbeda: la última noche de Santa Teresa de Jesús

https://www.youtube.com/watch?v=oGco1XdtLsw

Teresa de Jesús recorre los caminos

https://www.youtube.com/watch?v=xtoq6IqjoVM

A los Cuatro Vientos”, 500 años de Santa Teresa

https://www.youtube.com/watch?v=H87HlW38aUY

14-11-2014. V Centenario de Santa Teresa de Jesús.

https://www.youtube.com/watch?v=bnzuLwmy8cw

La Santa libertad en el magisterio teresiano

https://www.youtube.com/watch?v=AIMEzaVufpY

Conferencia sobre SANTA TERESA DE JESÚS de Luis Arostegi Gamboa OCD

https://www.youtube.com/watch?v=5jGFWfLQYOI

FILMES:

Vida de Santa Teresa D’Avila – Teresa de Jesús – 1961

https://www.youtube.com/watch?v=o2WCNxqQ2HU

Santa Teresa de Jesus (Concha Velasco e Josefina Molina)

https://www.youtube.com/watch?v=O7OnoFt8tcw

https://www.youtube.com/watch?v=m-Zoh1uTIGQ

https://www.youtube.com/watch?v=L9DjSB7Uq-M

Yo, la peor de todas.

https://www.youtube.com/watch?v=PTI7H1ohD2M

Teresa

https://www.youtube.com/watch?v=UeJglkocBUw&spfreload=1

BREVE GUÍA DE LA EXPOSICIÓN “TERESA DE JESÚS. LA PRUEBA DE MI VERDAD”, EN LA BNE

La vida de Teresa de Jesús (1515-­‐1582) contada por ella misma en su autobiografía, el Libro de la vida, evocó imágenes a pintores y escultores, y hoy nos ha brindado las palabras que trazan el camino de esta  exposición.  El  maravilloso  cuadro  de  Rubens “La visión de santa  Teresa  del  Espíritu Santo” (de  hacia 1614, cuando la Iglesia beatifica a Teresa) da la  bienvenida al visitante con una de las visiones de Teresa, que ella narra: “… veo sobre mi cabeza una paloma […]. Paréceme el ruido que hacía con las alas.Estaría aleando espacio de un avemaría”, Vida, 38, 10.

Peter Paul Rubens, Visión de santa Teresa del Espíritu Santo, 1614 óleo sobre tabla, Museo Boijmans Van Beuningen, Rotterdam

En la primera  sala, tras una breve aproximación al contexto histórico (Fernando el Católico y Carlos V), se entra en la atmósfera de su infancia, con la recreación de su ámbito familiar. La idealización del bello cuadro de García de Miranda, “Educación de santa Teresa”, subraya algo esencial para la formación de la escritora:  sus  padres  eran  lectores  y  le  enseñaron  a  leer.  En  la  primera  vitrina  vemos  sus  lecturas iniciales: libros de caballería (los leía, como su madre, a escondidas de su padre), libros de devoción, y Las trescientas de  Mena,  o  los  Proverbios  de  Séneca,  que  figuran  en  un  inventario  de  su  padre.

Juan García de Miranda, Educación de santa Teresa, 1735, óleo sobre lienzo, Museo Nacional del Prado, Madrid

El  pintor  granadino “Chavarito” recrea en su obra “Santa Teresa niña y su hermano Rodrigo en busca del martirio” el episodio que ella cuenta: “Concertábamos irnos a tierra de moros, pidiendo por amor de Dios, para que allá nos descabezasen”; fue fruto del entusiasmo con que leían las vidas de santos: “Como vía los martirios que por Dios las santas pasaban  […] deseaba  yo mucho morir ansí”, Vida, 1,5. Y un poco más adelante, está la “Entrada al convento de la Encarnación” de Teresa, en 1535, del mismo artista.

Alberto Durero, San Jerónimo en su celda, c.a.1514, estampa a buril, Biblioteca Nacional de España, Madrid

Enseguida dos obras maestras: “El Salvador bendiciendo” de Zurbarán y “San José y el Niño Jesús” de Ribera, porque El Salvador y san José –cuidando al Niño y a la Virgen– serán sus dos apoyos siempre; Teresa dará el nombre de san José a todas sus fundaciones. Y paralelamente los libros: ahora los que le marcaron  hondamente,  el Tercer  abecedario  espiritual  de Francisco  de Osuna  y las Confesiones  de san Agustín,  junto con otros textos espirituales  que ella nombra  como lecturas  suyas. Una escultura  de San Agustín de Gregorio Fernández  subraya la importancia  del santo y de su obra para Teresa: “Yo soy muy aficionada a san Agustín”,  “Como comencé a leer las Confesiones paréceme me vía yo allí”, Vida, 9, 7-­‐8. A continuación,  la maravillosa  estampa  de “San Jerónimo  en la celda” de Alberto  Durero,  de la Biblioteca Nacional, evoca otra de sus lecturas.

Viene luego un momento de silencio en la pared y en los libros, porque se exhiben dos índices de libros prohibidos (1559, 1583), algunas obras que están en ellos (de fray Luis de Granada,  por  ejemplo)  y  otras  censuradas.   Solo  se  ve  la magnífica imagen de Juan de Ávila de un seguidor del Greco: víctima del índice (se prohíbe su Audi filia) y a la vez lector del manuscrito del Libro de la vida por ruego de la santa. Ella, que no leía bien latín, se lamentaría de la prohibición: “Cuando se quitaron  muchos  libros  de  romance,  que  no  se  leyesen,  yo sentí mucho”, Vida, 26, 6.

Albert Bouts, Ecce Homo, ca.1510, óleo sobre tabla, Convento de Carmelitas Descalzas, Toledo

Al fondo, destacada, una imagen decisiva en la “conversión” que nos cuenta Teresa: un Cristo llagado; el conmovedor “Ecce Homo” de Albert Bouts,  la obra que la propia  santa  regaló  al  convento  de  las  Carmelitas Descalzas  de Toledo:  “entrando  un día en el oratorio,  vi una imagen […]. Era de Cristo muy llagado”; ella se turba al verlo “porque representaba bien lo que pasó por nosotros”, Vida, 9, 1.

Todo ello es el preludio del momento culminante de la exposición, porque en la  sala central, casi en penumbra  –obligada  por motivos de conservación  de los manuscritos–,  están los libros autógrafos  de la santa que se guardan en la Real Biblioteca del Monasterio San Lorenzo de El Escorial  (gracias a Felipe II), el de  la  segunda  redacción  del  Camino  de  perfección,  que  está  en  el convento de las Carmelitas Descalzas de Valladolid, y cuatro cartas autógrafas, de distintas épocas.

Libro de la vida, manuscrito autógrafo, 1565, Real Biblioteca del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial

En una esquina, humildemente, una recreación de una celda, el pobre hábito carmelita dibujando la figura de una monja; Teresa de Jesús, aunque estuvo recluida, por orden de sus superiores,  casi  un  año  en  el  convento  de  San  José  de  Toledo (1576), siempre miró la luz que entraba por la ventana y además siguió escribiendo.  Ahí  está  su  tintero,  conservado también  en  El  Escorial, uno de los objetos que más nos hablan de la escritora.

Para que la plasticidad de las imágenes de la prosa de Teresa de Jesús esté siempre presente, el visitante puede detenerse a contemplar la proyección en la que se presentan los distintos grados de  la  oración  y  lo hace viendo las maneras en que se puede regar un huerto, como Teresa describe en el Libro de la vida (“Me  era  gran  deleite  considerar  ser  mi  alma  un huerto y al Señor que se paseaba en él”, 14, 9).

El Guercino (Giovanni Francesco Barbieri),  Jesús y la samaritana en el pozo, ca.1640-­‐41, óleo sobre lienzo, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

La  entrada  a  la  tercera  sala,  época  ya  de culminación de vida y escritura, nos ofrece una pintura bellísima del Guercino de “Jesús y la samaritana”, porque esta mujer bíblica, junto a María de Magdalena, también  representada en  una sobrecogedora  pintura   de   El Greco, están   muy presentes  en la  vida y obra de Teresa de Jesús (María Magdalena era para ella el ejemplo de lo mucho que puede lograr el hondo amor a Dios). Jesús le habla a la mujer de Samaría del “agua viva”; la samaritana se da cuenta de que está hablando con el Mesías y corre a decírselo a la gente de su aldea; así quiso hacer también  Teresa al escribir: contar a sus hermanas  monjas, a sus confesores,  y a todos, sus experiencias místicas.

Giuseppe Bazzani, Éxtasis de Santa Teresa, siglo XVIII, óleo  sobre lienzo, Museo de Bellas Artes, Budapest

A  la derecha de la sala, se exhiben tres imágenes  de visiones vividas y narradas  por Teresa de Jesús: primero,  el Éxtasis, en tres bellísimas versiones realizadas por artistas italianos  en  el  siglo  XVIII:  Giuseppe  Bazzani,  Francesco Fontebasso, del  Museo de  Bellas  Artes  de  Budapest,  y Sebastiano Ricci, del Kunsthistorisches  Museum  de Viena.  No podía faltar la representación que de este tema hizo el escultor Gian Lorenzo Bernini, difundida por un grabado de la época realizado por Benoît Thiboust.

Benoît Thiboust, Éxtasis de santa Teresa, Estampa a buril y aguafuerte, ca.1681, Real Biblioteca, Patrimonio Nacional, Madrid

En segundo lugar, la visión del infierno, que en este caso se sugiere a través de una obra contemporánea al Libro de la vida: el “Paisaje infernal” de un seguidor de El Bosco, del Museo del Prado.   Y por último, la significativa “Visión del collar” de Andrea Vaccaro: la vive Teresa en medio de sus trabajos para fundar su primer convento, el de san José de Ávila  (Vida, 33, 14).

Dos santos que conocieron a Teresa están representados también en la sala: en un cuadro de Luca Giordano de la Fundación Casa de Alba, “San Pedro de Alcántara y santa Teresa”, y una escultura de san Juan de la Cruz, atribuida a Antonio de Paz.  En Medina del Campo, en agosto  de  1567,  tiene  lugar  ese  encuentro  esencial  de nuestra historia literaria y espiritual: “acertó a venir allí un padre de poca edad, que estaba estudiando en Salamanca […] Llámase fray Juan de la Cruz”, Libro de las fundaciones,3, 17.

Siguiendo con los libros, en las vitrinas la edición de fray Luis de Los libros de la madre Teresa de Jesús, 1588, el Breviario utilizado por Santa Teresa y las obras de San Juan de la Cruz: uno de los códices manuscritos de la Llama de amor  viva (s.  XVI-­‐XVII), y otra  joya:  nada menos  que  el  códice  de  los  Dichos  de  luz  y amor, de mano del propio San Juan de la Cruz, procedente de la parroquia de Santa María de Andújar.

Gregorio Fernández, santa Teresa de Jesús, ca.1625, madera policromada,  Museo Nacional de Escultura, Valladolid

Presiden esta parte del recorrido la maravillosa escultura de Gregorio Fernández, del Museo Nacional de Escultura de Valladolid, pionera en la iconografía de la santa escritora. A su izquierda, dos  representaciones  de  Alonso Cano sobre Teresa de Jesús escritora contemplando al Señor; y frente a ella, el tapiz con  la  representación  de  “Elías  y  el  ángel”, según cartón de Rubens, del Convento de las Descalzas Reales de Madrid. Como dice Teresa en  las coplas  “Hacia  la  patria” para  sus hermanas carmelitas: “Al padre Elías siguiendo,/ nos vamos contradiciendo / con su fortaleza y celo,  / monjas  del  Carmelo”.  En  la  vitrina,  copias  manuscritas  y ediciones de  las  Moradas  del castillo interior y de las Meditaciones sobre los Cantares, mientras las palabras de la santa se proyectan sobre una recreación audiovisual basada en la riquísima alegoría de las Moradas del castillo interior.

José de Ribera, santa Teresa de Jesús, 1640-­‐45, óleo sobre lienzo, Real Academia de Bellas Artes de San Carlos. Museo de Bellas Artes, Valencia

Ya  en  el  camino  de  vuelta, y tras un soberbio  retrato  de Santa Teresa escritora realizado por Ribera, nos acercamos a la relación de Teresa de  Jesús  con  importantes  personajes de la época como los Duques de Alba o el mismísimo rey Felipe II. Teresa se carteaba con la esposa del Gran Duque de Alba, María Enríquez, y su hijo Fadrique leyó en la cárcel la copia del Libro de la Vida que había mandado hacer  la  duquesa,  porque  la  obra estaba entonces en poder de la Inquisición  (lo  estuvo  doce  años).  El rey Felipe II amparó a Teresa en sus fundaciones  y  ordenó,  diez  años después de su muerte, que los manuscritos de sus obras se guardaran en El Escorial. La santa acudía a él escribiéndole  ante  dificultades  vividas como la prisión de Juan de la Cruz por los carmelitas calzados (1577). Fue la emperatriz  María de Austria, hermana del rey, quien logró que la Inquisición devolviera la Vida, y finalmente fue editada por fray Luis de León.

Queda solo el final, regresar por ese lugar tan especial, único, en donde puede admirarse los firmes y tan personales trazos de la escritura de Teresa de Jesús, en esos libros que eran su “alma”– así le llama al Libro de la vida–, su otro yo: “Mirad, hermanas, que va mucho en esto muerta yo; que para eso os lo dejo escrito”, Camino de perfección, 2, 3.  Hay que dejar atrás la sala y emprender el  último tramo.

Teresa siempre contó a sus confesores sus experiencias, y ellos a veces fueron sus apoyos; uno fue especialmente importante: el joven carmelita descalzo Jerónimo Gracián, a quien conoce en Beas en 1575. Él aparece  en el comienzo  de ese tramo final de su vida; él le animó a fundar en tierras andaluzas.  Un anónimo y pequeño retrato del padre Gracián, del siglo XVI, está junto a un original –y muy poco conocido–relieve   policromado   que  representa   a  “Santa   Teresa  confesándose”   del  Museo   Frederic   Marès de Barcelona.

Adrien Collaert y Cornelio Galle (grabadores), Escenas de la vida de Santa Teresa  (fragmento), estampa a buril, Amberes, 1613, Biblioteca Nacional de España, Madrid.

Luego un mapa de época permite localizar las 17 fundaciones  de  la  santa,  desde  la  primera de  San  José  de Ávila (24 de agosto de 1562) a la última, la de Burgos (19 de abril  de 1582); las describió  en el Libro  de las fundaciones (salvo la primera, que narró en la Vida). Las paredes de las salas reflejan también el caminar incansable de la santa fundadora; primero son las proyecciones evocadoras de Ávila ‐donde nace– y un claustro, donde profesa; y luego son los lugares de sus fundaciones: Toledo, Sevilla, Burgos… Al final, Alba  de  Tormes  cierra  esa vida  que  empezó  precisamente “en amaneciendo” como anotó su padre.

Frente al mapa de lasFundaciones, las copias de las Exclamaciones,  guardadas  en relicarios; publicadas  por fray Luis de León en 1588, solo se conservan estos valiosos fragmentos  copiados  de  los  apóstrofes  exclamativos   que Teresa dirige al Señor, guardados por las MM. Carmelitas Descalzas de Granada.

En  la  última  vitrina,  tres  códices  manuscritos  de  la  Biblioteca Nacional  con cartas de Teresa de Jesús, copiados en el s. XVII para el archivo de la Orden y que fueron esenciales para la transmisión de su epistolario, en su mayor parte perdido. Junto a ellos, el códice De la vida, muerte y virtudes de la santa madre Teresa de Jesús que estaba escribiendo fray Luis de León cuando le sobrevino la muerte.  Y, por último, el libro con las 25 estampas grabadas por Adrien Collaert y Cornelio Galle, con las escenas de la vida de santa Teresa (1613), encargadas por Jerónimo Gracián y Ana de Jesús para divulgar la vida de Teresa de Jesús, en el momento de su beatificación.

El cierre de la exposición lo pone su muerte: el provincial de Castilla le manda que vaya a Alba de Tormes a asistir a la joven duquesa de Alba, María de Toledo, que está a punto de dar a luz. Allí morirá: el 4 de octubre, que pasará a ser el día 15 en el calendario gregoriano.

Dos  últimas  pinturas  recogerán  ya  la representación  de  Teresa  canonizada:  “La glorificación  de Santa Teresa” de Pietro Novelli y “Santa Teresa en gloria” de Francisco Bayeu. Para despedir al visitante, la escultura  de José  Risueño  “Santa Teresa  escritora”,  porque  es la imagen  que  queremos  hacer  llegar  al visitante:  la de  Teresa  de  Jesús  escribiendo.  Junto  a su  fundación  del  Carmelo  descalzo,  su  espléndida creación literaria es la prueba de su verdad: “Porque va todo lo que escribo dicho con toda verdad”, Vida, 8,3.

Nota: Por motivos de conservación  los manuscritos  autógrafos de Teresa de Jesús se exponen al público únicamente durante un mes, según el siguiente calendario:

  • 12 de marzo a 13 de abril: Libro de la vida y Camino de perfección (primera redacción), Real Biblioteca del Monasterio de El Escorial.

  • 14 de abril a 20 de mayo: Libro de las fundaciones  y Modo de visitar conventos, Real Biblioteca del Monasterio  de El Escorial.

  • 27 de abril a 31 de mayo: Camino de perfección (segunda redacción), MM. Carmelitas Descalzas de Valladolid.

Fuente: Acción Cultural/BNE

ENLACES:

Documento guiaexpoMiVerdadb.pdf

http://www.accioncultural.es/media/Default%20Files/activ/2015/grafica/guiaexpoMiVerdadb.pdf

AGRADECEMENTOS: A Carmelitas Descalzas de Puçol (Valencia), que “quiere ser un punto de encuentro para todos quienes nos consideramos amigos de esta gran mujer, mística y escritora que es Teresa de Jesús. La celebración de su V Centenario es una ocasión ideal para profundizar en su vida y en su obra” (literalmente lo hacemos nuestro como el resto de sus aportaciones infra).

RECURSOS:

Anuncios

xxv aniversario das idades do home; C.A. de Castela e León

19 julio, 2013

EL PATRIMONIO RELIGIOSO DE CASTELA Y LEÓN EN EL “AÑO DE LA FE”

25 AÑOS DE LA FUNDACIÓN LAS EDADES DEL HOMBRE, MODELO DE LA MARCA IGLESIA

ARÉVALO, XVIII EDICIÓN DE LAS EDADES DEL HOMBRE

20-5-2013 -Las Edades del Hombre, en el año que se conmemora su 25º aniversario y coincidiendo con el Año de la Fe, celebra una nueva edición en Arévalo (Ávila) con sede en la Iglesia de Santa María, la Iglesia de San Martín y la Iglesia de El Salvador.

La exposición, que lleva por título CREDO, cuenta con el patrocinio del Pontificium Consilium de Cultura, y es un recorrido plástico sobre el camino de la fe cristiana, estructurado en un preámbulo (Creo) y 3 capítulos (Creo en Dios, Creo en Jesucristo y Creo en el Espíritu Santo).

GALERÍA DE FOTOS

SANTA MARÍA DE ARÉVALO

02 IGLESIA DE SAN MARTÍN DE AREVALO

http://www.ayuntamientoarevalo.es/05eofi_tur/03/e04_01ofi_tur03b_igl_san_mar.htm

IGLESIA DE SANTA MARÍA LA MAYOR DE ARÉVALO

03 SANTA MARIA LA MAYOR DE AREVALO

http://www.ayuntamientoarevalo.es/05eofi_tur/03/e04_01ofi_tur05b_igl_sant_mar.htm

IGLESIA DEL SALVADOR DE ARÉVALO

02 IGLESIA DEL SALVADOR DE AREVALO

http://www.ayuntamientoarevalo.es/05eofi_tur/03/e04_01ofi_tur01b_igl_sal.htm

2 febrero, 2013

NO MOSTEIRO SANT MAGNUS DE FÜSSEN, EN BAVIERA.

8105043198_0aa54e6d07_c  st magnus füssen

800px-Füssen_-_Klosterkirche_St._Mang24

Premer aquí

MARTIROLOXIO ROMANO:

En el monasterio de Füssen, en Baviera (Alemania), san Magno, abad (s. VIII).

Fecha de canonización: Información no disponible, la antigüedad de los documentos y de las técnicas usadas para archivarlos, la acción del clima, y en muchas ocasiones del mismo ser humano, han impedido que tengamos esta concreta información el día de hoy. Si sabemos que fue canonizado antes de la creación de la Congregación para la causa de los Santos, y que su culto fue aprobado por el Obispo de Roma, el Papa.

sanmagnodefunssen

SAN MAGNO DE FÜSSEN nació cerca de St. Gallen, en la actual Suiza, aunque son pocos los datos biográficos que se conocen de este santo.

Las referencias que tenemos de la vida de San Magno provienen primordialmente de comentarios de sus compañeros San Columbano y San Galo.

Junto con ellos, San Magno fue designado por Witkerp, el obispo de Augsburgo, para evangelizar rincones de Alemania que todavía eran paganos. Hacia 746 San Magno estuvo activo en la región de Algovia, o Allgäu, en el sur de Baviera, donde fundó el monasterio de Füssen.

Según la tradición, San Magno habría recibido el bastón de San Columbano cuando falleció. En el camino de vuelta se le habría aparecido un dragón, pero por medio del bastón lo habría derrotado fácilmente.

También se narra que con el mismo bastón San Magno sometió a un oso que había invadido su huerto, y que con el bastón era capaz de ahuyentar víboras y alimañas.

Durante su vida, San Magno, abad de Füssen, presenció las pugnas que concluyeron con la victoria de los francos sobre los alamanes.

A pesar de la actividad política de Witkerp, obispo y superior suyo, San Magno siempre prefirió fomentar actividades que beneficiaran a la población local, como la minería.

A San Magno de Füssen se le ha considerado tradicionalmente el “Apóstol de Algovia”. Se le venera todavía en el sur de Baviera y Suavia, en el Tirol y en Suiza, se le invoca en la labranza como protector contra insectos y animales perniciosos

LIGAZÓNS DE INTERESE:

http://en.wikipedia.org/wiki/St._Mang’s_Abbey,_F%C3%BCssen

SAN ILDEFONSO DE PORTO /IGREXA DE PORTUGAL

Iglesia_de_San_Ildefonso,_Oporto,_Portugal,_2012-05-09,_DD_01

ESPIRITU SANTO DE LANDUST / IGREXA DE ALEMAÑA

Iglesia_del_Espíritu_Santo,_Landshut,_Alemania,_2012-05-27,_DD_02

SAN ALEXANDER NEVSKY, CATEDRAL DE TALIN/IGREXA ORTODOXA DE ESTONIA

Catedral_de_Alejandro_Nevsky,_Tallin,_Estonia,_2012-08-11,_DD_46

MEMORIAL DE STANFORD/ IGREXA DA UNIVERSIDADE

800px-Stanford_Memorial_Church_May_2011_HDR

Commons:Picture of the day: Máis fotos para postear

http://commons.wikimedia.org/wiki/Picture_of_the_day

las visiones de blake en la caixa-forum

5 agosto, 2012

VIAJE CON WILLIAM BLAKE A SUS VISIONES DE ULTRATUMBA

Caixaforum ofrece un recorrido representativo por la obra pictórica de este artista ‘maldito’.

cierto tiempo este artista británico vuelve a ponerse de moda sin dejar nunca de estarlo. La última vez, en la década final del siglo pasado, reivindicado por el movimiento New Age como uno de sus ancestros. Conocido fundamentalmente por su poesía, nos llega ahora su producción pictórica, personal e intransferible, la obra de un hombre que daba más valor a los sueños que a los razonamientos, cuyo afán de trascendencia superaba a la religión oficial, cuyos dibujos han ilustrado numerosas escuelas esotéricas posteriores, cuyos poemas son legendarios sin dejar de ser herméticos.

Inconformismo y misticismo son los rasgos definitorios de su obra, un inconformismo que derivó en la búsqueda de nuevas técnicas artísticas, un misticismo nacido de las visiones que acompañaron al artista a lo largo de toda su vida y que le sirvieron de constante fuente de inspiración. Fue un firme defensor de la imaginación frente a la razón, considerándola no solo una facultad del alma, sino la existencia humana en sí misma.

‘William Blake (1757-1827). Visiones en el arte británico’, organizada por la Tate Britain y producida por la Obra Social ”la Caixa”, propone al visitante un acercamiento a la obra gráfica del artista y a su influencia en el arte británico posterior. Formada por un centenar de piezas, 70 de ellas del propio Blake —entre acuarelas, grabados, dibujos y pinturas al óleo— y las 30 restantes de otros destacados artistas ingleses influenciados por su legado. Hubiera sido conveniente una referencia paralela a su obra literaria, y así el personaje hubiera quedado expuesto en toda su interesante dimensión. Por la relación que en su obra tienen poesía y grabados suele citársele como ejemplo del «artista total». Considerar los logros de Blake en poesía o en las artes visuales por separado perjudica entender la magnitud de su obra: Blake veía estas dos disciplinas como dos medios de un esfuerzo espiritual unificado, y son inseparables para apreciar correctamente su trabajo. Y es que además el concepto de exposición hoy debe ser más complejo de lo que fue en un tiempo y relacionar diversas disciplinas en un discurso dialéctico. Ciertamente en la muestra hay una mesa de lectura con ejemplares de sus obras escogidas: pero nos parece poco. Blake sin su poesía -¡al menos una sala audiovisual de esas que tan bien monta Caixaforum!- es medio Blake.

Para la comisaria Alison Smith, William Blake es una figura fundamental en el conjunto cultural británico, un tesoro nacional cuyo poema ‘Jerusalén’ se recita enfervorizadamente en la última noche de los Proms desde hace décadas. Según el periódico The Guardian, «William Blake es con gran margen el mayor artista que Gran Bretaña ha producido». Su figura inspira a los que se enfrentan a los poderes establecidos, y aunque ella no lo diga debería inspirar a ún más a los que luchan enfrentándose a lo más difícil, oir la voz de la inspiración propia, escuchar el mensaje de la imaginación en su lenguaje fantasioso, crear un sistema de valores personal. A partir de ello inventaría su propio lenguaje visual, partiendo de que la línea y el trazo son lo que mejor permite articular conceptos abstractos, frente al óleo por ejemplo, siempre oscuro y velado. El dibujo pues era la forma de revelar la verdad. Y para ello inventó sus propios métodos y creó sus propias técnicas. 

En comparación con Goya viajó a visiones de ultratumba un tanto convencionales en vez de encontrar en sus paisanos todos los infiernos. Sus seguidores lo veneraron como un profeta. Fue uno de las primeros intelectuales que se enfrentó al sistema capitalista en sus inicios. Fue anterior a D.H. Lawrence en su reivindicación del sentimentalismo frente al raciocinio feroz. Su figura controvertida sigue siendo fuente auténtica de inspiración. A qué más se puede aspirar. Ha sido declarado santo por una secta marginal, la Ecclesia Gnostica Catholica.

Caixa Forum Madrid piensa que sus recientes exposiciones dedicadas a Eugène Delacroix y Francisco de Goya como precursores innegables de la modernidad, se hermanan a esta presentación de Blake en un tríptico reivindicador de figuras que marcaron un punto de inflexión en la historia del arte y la cultura occidental. Se trata de la tercera gran colaboración entre ”la Caixa” y la Tate Britain, tras exposiciones anteriores en torno a los pintores británicos William Turner y William Hogarth.

Pese a su pronta iniciación en el dibujo y su relativo éxito inicial a través de los grabados, las inconformistas teorías de William Blake sobre el arte y sus revolucionarias ideas sobre la dimensión espiritual de la vida humana no fueron comprendidas hasta mucho tiempo después de su muerte. Fue un librepensador, independiente y radical. Y su inconformismo derivó también en la búsqueda de nuevas técnicas artísticas que le alejaron de las convenciones del arte neoclásico asociadas a los valores de la Ilustración. Para obtener el efecto deseado en las líneas y el color, Blake diseña técnicas propias, a la vez que rechaza rotundamente algunos procedimientos imperantes en su época.

williamblake_es.html

visita_virtual.htm

 

ÁMBITOS DE LA EXPOSICIÓN

Grabador y artista

Blake fue un artista precoz: tomó sus primeras clases de dibujo a los 10 años, aprendió acuarela y se convirtió en grabador de oficio. A pesar de que existía gran demanda de grabados por parte de la burguesía de la época, sus trabajos, muy personales, no tuvieron suficiente aceptación y Blake no logró nunca vivir de forma acomodada. Sus primeros trabajos tuvieron un éxito relativo. Sin embargo, a medida que empezó a definir su estilo, el complejo simbolismo de sus imágenes provocaría el rechazo de los espectadores, que las consideraron absurdas, turbadoras y de mal gusto.

Libros proféticos

Blake vivió una época turbulenta. Revoluciones sociales y guerras dejaron huella en sus ideas. Muy crítico respecto al sistema político, religioso y moral del momento, fue un revolucionario. Sus Libros proféticos, producidos en su mayor parte entre 1788 y 1806, son sus obras más complejas y originales: una serie de extensos poemas iluminados que tratan de la actualidad de su tiempo desde una perspectiva simbólica. Blake se inspiró en sus visiones y alimentó sus poemas con elementos procedentes de distintas tradiciones religiosas, fuentes literarias e ideas esotéricas. En el frontispicio de Visiones de las hijas de Albión (1793), Blake dibujó tres personajes encadenados entre sí, amarrados a las rocas de Inglaterra, prisioneros de un código social moral arbitrario y represivo. En esta obra, uno de sus primeros libros proféticos, Blake aborda temas relacionados con la libertad sexual y la igualdad entre hombres y mujeres.

Los grandes grabados en color

En los grandes grabados en color, Blake experimentó nuevos temas, técnicas y materiales. Son sus obras de mayor formato; denominaba a estos trabajos frescos, independientemente de si se trataba de acuarelas, grabados o pinturas al temple. De esta forma establecía un vínculo entre su obra y las grandes representaciones murales del Renacimiento italiano. Los frescos de Blake, como las pinturas de Miguel Ángel —su máxima referencia estilística— en el Vaticano, incorporan elementos narrativos con vocación didáctica para el gran público.

Escenas de la Biblia

Aunque Blake fue bautizado, contrajo matrimonio y recibió sepultura según los preceptos de la Iglesia anglicana, durante toda su vida mantuvo una actitud muy crítica respecto al poder eclesiástico, integrado en el poder estatal. Fue un gran lector de los textos religiosos, en especial de la Biblia y sus librosproféticos, que estudió y analizó desde una perspectiva heterodoxa. Blake llegó a la conclusión de que la Biblia era una recopilación histórica, obra de distintas voces inspiradas por Dios, pero no dictadas por él.

Un funcionario llamado Thomas Butts se convirtió en su principal mecenas, a pesar de no ser un hombre de gran fortuna. Muchos de sus encargos estaban relacionados con los textos bíblicos. Gracias a Butts, Blake pudo disfrutar de una mínima seguridad económica y pudo desarrollar sus ideas libremente.

Pintura al temple

A diferencia de la mayoría de sus contemporáneos, que utilizaban la pintura al óleo, Blake desarrolló una innovadora técnica de pintura al temple que le permitía plasmar líneas claras y definidas y obtener colores puros e intensos. En primer lugar, dibujaba los contornos principales con tinta o pintura. A continuación aplicaba los colores y los sellaba con goma, y a veces con cola. Este procedimiento le permitía reflejar sus visiones a través de imágenes muy llamativas y espectaculares. 

Además, uno de los rasgos más característicos de Blake es la forma de representar el cuerpo humano. A su modo de ver, esta representación debía construirse desde la visión interna y no desde la observación de la naturaleza. Tomando como modelo el arte gótico y la pintura de Miguel Ángel, el cuerpo debía expresar valores y estados espirituales. En sus obras, el trazo y la silueta resultan fundamentales, por encima del efecto y el color. Esta elección no responde únicamente a una preferencia estética: es un imperativo moral.

El Libro de Job

En 1818 Blake, con 61 años, vivía una difícil situación económica. Un joven artista, John Linnell, le encargó los dibujos para el Libro de Job y las acuarelas de la Divina Comedia de Dante. Además, compró la mayor parte de sus escritos publicados. La amistad y la colaboración entre ambos duró los últimos diez años de la vida de Blake. El legado de Linnell fue el puente que conectó su obra con las generaciones posteriores. Blake se identificaba, personal y profesionalmente, con la historia de Job: el hombre bueno que sufre, que rechaza la idea de que este sufrimiento sea culpa de sus propios pecados y que, en la defensa de su virtud, llega a enfrentarse al propio Yahvé.

La Divina Comedia

A propuesta de Linnell, Blake ilustró la Divina Comedia de Dante. El trabajo comenzó en otoño de 1824 y debía publicarse como una serie de grabados. A la muerte de Blake, en 1827, solo habían sido impresas siete láminas y los diseños se encontraban en distintas fases de realización;  la mayor parte de estas acuarelas corresponden al infierno. El encargo de Linnell dio pie a una importante producción formada por 102 acuarelas y algunos bocetos originales. La Divina Comedia no es tan solo el más importante de sus proyectos inacabados, sino una de sus obras más significativas, donde puede observarse la amplitud y gran poder de su imaginación.

Libros iluminados

Los libros iluminados o miniados, impresos entre 1788 y 1806, marcan el periodo más prolífico de la obra de Blake y son testimonio de su audaz experimentación técnica y conceptual. Sus imágenes no deben ser entendidas únicamente como ilustraciones que adornan el texto, sino como un importante elemento que lo amplía y complementa. Imágenes y palabras aparecen grabadas en relieve. Antes de sumergirla en ácido, Blake pintaba la plancha de cobre con una solución resistente. Una vez obtenido el dibujo o el texto en relieve, le aplicaba tinta y lo imprimía utilizando varios colores en la misma plancha. Por ello nunca encontramos dos versiones iguales de la misma imagen, ya que Blake, junto a su esposa Catherine, terminaba los grabados a mano, reforzando las líneas más tenues y otorgando a cada ejemplar un color y una textura únicos.

Blake atribuyó la invención de esta técnica a su hermano menor, Robert, cuyas aspiraciones artísticas quedaron bruscamente truncadas por su trágica y temprana muerte en 1787. Este suceso tuvo un profundo efecto en Blake, quien sostenía que Robert le visitó en una de sus visiones y le explicó los principios de un nuevo método de grabado en color.

Los Antiguos

Los primeros artistas que acusaron la influencia de Blake fueron los miembros del grupo Los Antiguos, jóvenes pintores, algunos de ellos apenas salidos de la academia, que veían a Blake como un sabio, un ermitaño que les indicaba el camino a seguir. Conocieron a Blake a través de John Linnell y se sintieron profundamente atraídos por la miniaturización y el aspecto visionario de su pintura. Aunque compartían la pasión por Milton y la Biblia, Los Antiguos eran más convencionales en su interpretación de dichas fuentes. No les interesaban los escritos proféticos ni los complejos sistemas mitológicos de Blake, que consideraban impenetrables e imposibles de reproducir. Las obras de Los Antiguos tampoco comparten ninguna de las vehementes críticas sociales de Blake, ni sus representaciones del horror, ni sus imágenes sexuales explícitas. Su arte era más nostálgico y estaba concebido como una reacción frente a la sociedad industrial.

Prerrafaelitas, simbolistas, neorománticos

Los artistas que integraban la hermandad prerrafaelita eran más radicales en su oposición al Establishment artístico que Los Antiguos, y siguieron a Blake de forma más directa al denunciar las enseñanzas y preceptos de la Royal Academy. Los prerrafaelitas tomaron de Blake el tratamiento del espacio, el color y la dinámica del cuerpo humano, así como muchos de sus temas: el amor, la muerte y el juicio, la primacía del ojo interno y el cuerpo trascendente.

El simbolismo surgió, a finales del siglo XIX, como una reacción esteticista, irreal y poética al materialismo de la cultura europea. Blake fue considerado, retrospectivamente, como un simbolista cuya vigorosa espiritualidad y mitología personal ejercieron una gran influencia en los artistas de dicho movimiento. Como Blake, los simbolistas creían que el artista era un visionario, un profeta, y desarrollaron un lenguaje figurativo que revitalizó el género histórico e introdujo la temática psicológica en el arte.

El principal exponente de esa tendencia fue G. F. Watts, quien, en una serie de obras de gran formato, desarrolló un sistema alegórico personal al servicio de la transmisión de mensajes espirituales arcanos y denunció los abusos de la sociedad contemporánea. A pesar del carácter a menudo impenetrable de sus imágenes, Watts tuvo más éxito que Blake en su época. Los tiempos habían cambiado, el público aceptaba formas y temas que expresaban una nueva sensibilidad y los simbolistas eran aceptados por el Establishment artístico.

Dante Gabriele Rossetti (1828-1882) fue uno de los miembros fundadores del movimiento de los prerrafaelitas y, junto con John Linnell (1779-1882) y Alexander Gilchrist (1828-1861), una de las piezas clave del «redescubrimiento» de Blake a partir de mediados del siglo XIX. Poco a poco su obra empezó a ser leída bajo una nueva luz: a sus innegables valores artísticos se sumaban ahora sus valores morales, asumidos por nuevas capas sociales. Como consecuencia, Blake —un artista nacional— se convirtió en una de las figuras más representativas e influyentes del arte británico.

Finalmente, la obra de Blake encuentra su eco en los pintores ingleses de las primeras décadas del siglo XX, que recuperan temas y formas del Romanticismo. Cecil Collins (1908-1989), John Piper (1903-1992), Graham Sutherland (1903-1980), Ceri Richards (1903-1971) y Eduardo Paolozzi (1924-2005)

TOMADO de:

http://www.periodistadigital.com/guiacultural/ocio-y-cultura/2012/07/02/viaje-con-william-blake-a-sus-visiones-de-ultratumba.shtml

o último Rafael Sanzio; exposicións temporais do Museo del Prado

30 julio, 2012

EL ÚLTIMO RAFAEL SANZIO EN EL MUSEO DEL PRADO

VIDEOS  

El último Rafael Vídeo sobre la exposición El último Rafael, comentada por Miguel Falomir, Jefe del Departamento de Pintura Italiana y Francesa.

http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/el-ultimo-rafael/videos/

Presentación de la exposición El último Rafael:Rueda de prensa del comisario de la exposición, Paul Joannides.

http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/el-ultimo-rafael/videos/

Presentación de la exposición El último Rafael: Rueda de prensa de Tom Henry, comisario de la exposición.

http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/el-ultimo-rafael/videos/

EL CATÁLOGO

     

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

     

                 El catálogo de la exposición, editado en español e inglés, consta, además de los textos institucionales, de dos textos científicos, el primero a cargo de Tom Henry, historiador del arte, y Paul Joannides, profesor de Historia del Arte de la Cambridge University, ambos comisarios de la exposición, y el segundo, a cargo de Ana González Mozo, investigadora del Gabinete de Documentación Técnica del Museo Nacional del Prado y Bruno Mottin, del Centro de Investigación y Restauración del Museo del Louvre, además de 50 fichas técnicas en las que se estudian, agrupadas en conjuntos coherentes todas las obras de la exposición 

 

LA EXPOSICIÓN

La exposición arranca en 1513, cuando Rafael ya llevaba trabajando en Roma cinco años decorando las estancias vaticanas. Con el cambio del pontificado, Rafael asume un nivel mayor de encargos tanto del Papa como de sus benefactores, y empieza entonces a rodearse de ayudantes. Su taller fue, posiblemente, el mayor de los formados hasta entonces bajo el magisterio de un único gran maestro de la pintura. La muestra enfrenta al espectador con el resultado de la eficiencia de ese taller, liderado por la gran versatilidad de Rafael, quién, además de pintor de pinturas de caballete –el objeto de la muestra- fue pintor de frescos, diseñador de cartones para tapices y arquitecto.

RAFAEL EN ROMA

Rafael en el Vaticano

Rafael llegó a Roma en 1508 junto con otros artistas italianos y del norte de Europa para decorar las estancias vaticanas. El Papa Julio II le encargó la decoración de la Estancia de la Signatura (1508-1511), de la que forma parte entre otras, la afamada obra la Escuela de Atenas, así como la Estancia de Heliodoro (1512-1514), utilizada como sala de audiencias del Papa. En 1514, tras la muerte de Bramante, pasa a convertirse en el arquitecto de San Pedro.

Posteriormente, ya en el papado de León X, decoraría la Estancia del Incendio del Borgo (1514-1517) y llegaría sólo a diseñar la Estancia de Constantino (1517-1525) siendo la decoración realizada por sus discípulos Giulio Romano, Gianfrancesco Penni y Raffaellino del Colle.

Además de las estancias, llevó a cabo una serie de diezcartones para tapices sobre las vidas de San Pedro y San Pablo para la Capilla Sixtina, la galería del cardenal Bibbiena y la Sala de los Palafreneros. Junto a las Estancias la obra más importante de Rafael en el Vaticano fueron las Logias (1519), una gran galería de trece tramos pintada al fresco con escenas del Antiguo y el Nuevo Testamento concluidas alrededor de 1518.

Fuera del Vaticano

Agostino Chigi, tesorero del Papa y uno de los grandes patronos de Rafael fuera del Vaticano, le encargó varios frescos para decorar su la Villa Farnesina, entre los que se encuentran El triunfo de Galatea y la decoración de la Galería de Psique, que llevó a cabo junto con su taller. También trabajó para Chigi en dos capillas funerarias, decorando al fresco la de Santa María della Pace y diseñando, construyendo y decorando una nueva capilla unida a Santa María del Popolo.

Por su parte, Segismondo dei Conti, el historiador pontificio, le encargó un retablo conocido como la Virgen de Folign, para la basílica de Santa María en Aracoeli.

Como arquitecto, además de su labor en San Pedro, se dedicó a la construcción de la Villa Madama, que no llegó a concluirse. Diseñó tres palacios en Roma, entre ellos el del protonotario apostólico Giovanni Battista Branconio dell’Aquila y dejó proyectada una lujosa casa para sí mismo, en un solar de esquina de la via Giulia.

RELACIÓN DE OBRAS

Pinturas de altar

1. La Virgen y el Niño con el arcángel san Rafael, Tobías y san Jerónimo, conocida como La Virgen del pez. Rafael. Óleo sobre tabla transferido a lienzo, 215 x 158 cm. h. 1513 – 1514. Madrid, Museo Nacional del Prado
La Virgen María sostiene al Niño Jesús en su regazo sentada sobre un trono con San Jerónimo a la derecha vestido de cardenal, leyendo la Vulgata (la Biblia que él mismo tradujo al latín) y acompañado de su símbolo el león, y a la izquierda, el Arcángel Rafael con Tobías, quien sostiene el pez con el que sanará la ceguera de su padre.
Esta obra es conocida como La Virgen del pez, y fue encargada por Geronimo del Doce para la capilla de Santa Rosalía del Monasterio de San Domenico en Nápoles.
El uso del color y la maestría de la composición, que tras su aparente sencillez esconde complejas formas triangulares, rectangulares y diagonales, remiten a la Estancia de Heliodoro que Rafael pintó en el Vaticano.
Se conservan dibujos preparatorios para esta obra en la Galleria de los Uffizi en Florencia y en la National Gallery of Scotland en Edimburgo.
Esta pintura fue adquirida por el virrey de Nápoles para Felipe IV (1605-1665), y tras un breve paso por la capilla del Alcázar ingresó en 1645 en el Monasterio de El Escorial, de donde pasó a las colecciones del Museo del Prado. 

2. Estudio de composición [para la Virgen del pez] Rafael. Sanguina con trazos de lápiz negro y marcas de estilete sobre papel, 26,7 x 26,3 cm. h. 1513 – 1514. Florencia, Galleria degli Uffizi. Gabinetto Disegni e Stampe.

3. Modello [para la Virgen del pez] Rafael. Aguada de tinta parda sobre lápiz negro con resaltes de albayalde, sobre papel cuadriculado a lápiz negro, 25,8 x 21,3 cm. h. 1513 – 1514. Edimburgo, National Galleries of Scotland.

4. La caída en el camino del Calvario, conocida como El Pasmo de Sicilia. Rafael. Óleo sobre tabla transferido a lienzo, 318 x 229 cm. 1515 – 1516. Madrid, Museo Nacional del Prado.

Pintura encargada por Jacopo Basilio para el Monasterio de Santa Maria dello Spasimo en Palermo, de donde deriva su nombre popular, El Pasmo de Sicilia, que refleja el interés de Rafael por la representación de estados físicos y psicológicos extremos. El tono retórico de la obra y su compleja pero clara composición, distribuida en torno a dos diagonales que convergen en la figura de Cristo, remite a los cartones para tapices del Vaticano. La crítica señala las deudas de Rafael hacia grabados nórdicos de Schongauer, Durero y Lucas de Leyden.
El Pasmo muestra la posición oficial de la Iglesia en el debate sobre la naturaleza del dolor de la Virgen durante la Pasión de Cristo, al mostrarla sufriente y compasiva pero consciente y no desmayada. 
Cuadro alabadísimo desde su ejecución, en torno a él se han generado historias no siempre verosímiles, y recientemente se ha cuestionado la veracidad del naufragio que, según Vasari, sufrió en su traslado, demasiado coincidente con las milagrosas circunstancias que rodearon la llegada a Sicilia en la Edad Media de una de sus imágenes más famosas: la Annunziata de Trapani. 
El virrey de Sicilia logró la cesión del cuadro a Felipe IV, quien lo destinó en 1661 al altar mayor de la capilla del Alcázar.
Firmado en el centro del margen inferior sobre una piedra.
5. Estudio de dos jinetes. Rafael. Sanguina sobre marcas de estilete, 28,6 x 20,3 cm. 1515 – 1516 Viena, Albertina.
6. La Virgen de los candelabros. Rafael y taller. Óleo sobre tabla, 65,7 x 64 x 1,9 cm (sin engatillado). Diam. 65,8 cm. h. 1513 – 1514. Baltimore, The Walters Art Museum. Acquired by Henry Walters.
7. Estudios para el Niño Jesús [Virgen de los Candelabros]. Atribuido a Gianfrancesco Penni. Aguada de tinta parda sobre papel, 16 x 20,3 cm. h. 1513 – 1514. Oxford, The Ashmolean Museum. Presented by a Body of Subscribers, 1846.
8. Santa Cecilia. Rafael. Óleo sobre tabla transferido a lienzo, 236 x 149 cm. h. 1515 – 1516 Bolonia, Pinacoteca Nazionale.
Todos los cuadros de altar que Rafael pintó en Roma bajo el pontificado de León X se destinaron a la exportación a Nápoles, Palermo, Bolonia o Francia. Fueron ejecutados para mecenas del más alto nivel (como el rey Francisco I de Francia) o muy bien relacionados, y sirvieron para extender la fama del artista en Europa. Aunque la mayoría ostentan la firma raphael urbinas (Rafael de Urbino), ello no significa que en muchas de estas obras la participación del taller no fuera sustancial, y de hecho, en algún caso la ejecución íntegra corrió a cargo de un ayudante.
Sólo la Virgen del pez es una sacra conversazione tradicional, con la Virgen y el Niño flanqueados por santos. Todos los demás, a excepción de la Santa Cecilia, son composiciones narrativas en las que Rafael quiso reformular el cuadro de altar tradicional en el nuevo lenguaje dramático que simultáneamente estaba implantando en el diseño de frescos y tapices. Un claro ejemplo de cruce con otros medios es la Visión de Ezequiel, cuya versión pintada es muy pequeña, pero que al parecer se hizo mientras se proyectaba un gran tapiz narrativo para León X, recientemente adquirido por elMuseo Nacional de Artes Decorativas de Madrid que se expone junto a la pequeña tabla por primera vez.
9. Modello [para Santa Cecilia]. Gianfrancesco Penni. Pincel, aguada de tinta y albayalde sobre trazos de lápiz negro sobre papel; marco trazado a estilete, 27 x 16 cm. h. 1514. París, Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris (Musée du Petit Palais).
10. La Visitación. Giulio Romano. Óleo sobre tabla transferido a lienzo, 200 x 145 cm 1517 (?). Madrid, Museo Nacional del Prado.
La Virgen María visita a su prima Isabel embarazada de San Juan, según relata el Nuevo Testamento (Lucas 1, 39-45), momento en el que la Virgen entona el Magníficat.
Las dos figuras se distinguen por su edad, María está representada como una muchacha joven mientras que Isabel, a la izquierda, es casi una anciana, resaltando el milagro de su estado de buena esperanza, según lo escrito en los textos bíblicos. La escena se desarrolla sobre un paisaje, al fondo del cual podemos observar un momento que tendrá lugar años después: el bautizo de Jesús por San Juan Bautista en el río Jordán. Esta obra fue diseñada por Rafael, que cobró 300 escudos, y delegó la ejecución de la pintura en sus ayudantes, Giulio Romano y el paisaje en Giovan Francesco Penni
El cuadro fue encargado por Giovanni Branconio, protonotario apostólico, en representación de su padre, Marino Branconio, para la capilla familiar en la iglesia de San Silvestre de Aquila. En la elección del tema por Marino debió de ser decisivo el nombre de su esposa Isabel, y el de su hijo Juan. 
Adquirida en 1655 por Felipe IV (1605-1665), quien la depositó en el Monasterio de El Escorial. Ingresó en el Museo del Prado en 1837.
11. La Sagrada Familia de Francisco I, conocida como La Sagrada Familia grande. Rafael y taller (?). Óleo sobre tabla transferido a lienzo, 207 x 140 cm. 1518. París, Musée du Louvre. Département des peintures. Collection de François Ier.
12. Fragmento de un cartón con santa Isabel, san Juanito, el Niño Jesús y parte de un ángel. Giulio Romano (?). Lápiz negro y clarión sobre papel, 70,6 x 52,6 cm. 1518. Melbourne, National Gallery of Victoria. Bequest of Howard Spensley, 1939.
13. San Miguel, conocido como San Miguel grande. Rafael y taller (?). Óleo sobre tabla transferido a lienzo, 268 x 160 cm. 1518. París, Musée du Louvre. Département des peintures. Collection de François Ier
14. La visión de Ezequiel. Giulio Romano según un dibujo de Rafael. Óleo sobre tabla, 40,7 x 29,5 cm. 1516 – 1517. Florence, Galleria Palatina di Palazzo Pitti.
15. Dios Padre con los símbolos de los cuatro Evangelistas, conocido como La Trinidad Manufactura de Pieter van Aelst (Bruselas), según un cartón de Tommaso Vincidor. Lana, seda e hilo metálico. Lino (forro), 425 x 347 cm. 1521. Madrid, Museo Nacional de Artes Decorativas.
16. San Juan Bautista en el desierto Rafael (?) y taller. Óleo sobre tabla, 163 x 147 cm. h. 1517 – 1518. Florencia, Galleria degli Uffizi.
17. Dibujo según el San Juan Bautista en el desierto Gianfrancesco Penni. Tinta parda a pluma con albayalde sobre trazos de lápiz negro, papel azulado, 27,5 x 17,1 cm. h. 1517 – 1518. Edimburgo, National Galleries of Scotland

Vírgenes con el Niño y Sagradas Familias de gran formato

18. La Virgen del Divino Amor. Rafael y taller (¿Gianfrancesco Penni?). Óleo sobre tabla, 140 x 109 cm. h. 1516. Nápoles, Museo di Capodimonte
19. La Sagrada Familia con San Juanito, conocida como la Virgen de la rosa. Rafael. Óleo sobre tabla transferido a lienzo, 103 x 84 cm. h. 1516. Madrid, Museo Nacional del Prado.
La Virgen María sostiene al Niño Jesús en sus brazos, que recibe de San Juan un rótulo con el Agnus Dei bajo la mirada de San José. La inscripción, que traducida del latín significa Cordero de Dios, hace referencia a la Pasión de Cristo, quien se entrega en sacrificio, como se hacía en el judaísmo con los corderos, para salvar a los hombres del pecado. 
La composición de la escena deriva de la perdida Virgen de los husos de Leonardo da Vinci, evidenciando que la influencia de este artista permanecerá en la producción deRafael hasta sus últimas obras. 
Este cuadro es conocido con el sobrenombre de Sagrada Familia de la rosa, en referencia a la flor que aparece sobre la mesa, aunque hoy en día se sabe que se trata de un añadido posterior. 
Se desconoce cuándo llegó a España esta pintura, que el Padre de los Santos cita en 1667 en el capítulo del Prior de el Monasterio de El Escorial.
20. Estudio para una versión preliminar [de la Virgen de la Rosa]. Según Rafael. Tinta parda a pluma, aguada de tinta parda y trazos de sanguina sobre papel, con cuadrícula a lápiz, 24,2 x 22,2 cm. h. 1516. París, Musée du Louvre. Département des Arts graphiques
21. La Virgen Munro of Novar. Giulio Romano. Óleo sobre tabla, 82,5 x 63,2 cm. h. 1517 – 1518. Edimburgo, National Galleries of Scotland.
22. Sagrada Familia con san Juanito, conocida como La Perla. Rafael. Óleo sobre tabla, 147,4 x 116 cm. 1519 – 1520. Madrid, Museo Nacional del Prado.
Llamada La Perla por Felipe IV por considerarla la pintura más preciada de su colección, su autoría está sujeta a discusión, atribuyéndose el diseño de la composición a Rafael, que habría delegado en Giulio Romano parte de su realización. 
Como otras obras tardías de Rafael, destaca la importancia del paisaje, y el interés por los contrastes lumínicos, consecuencia de su reencuentro con Leonardo en Roma entre 1513 y 1516. La impronta leonardesca es también evidente en la disposición piramidal de las figuras.
Pintada para Ludovico Canossa, perteneció sucesivamente a los duques de Mantua,Carlos I de Inglaterra y Luis de Haro, quien la entregó a Felipe IV.
23. Estudios para san Juanito (recto) y el Niño Jesús (verso) [La Perla]. Rafael y Giulio Romano. Sanguina sobre marcas de estilete sobre papel. Cuadriculado, estilete en el verso, 173 x 97 mm1519 – 1520. Berlín, Staatliche Museen zu Berlin. Kupferstichkabinett
24. Estudio para la cabeza de la Virgen de La Perla (?). Rafael. Lápiz negro sobre marcas de estilete sobre papel, 23 x 16 cm. 1519 – 1520. París, Musée du Louvre. Département des Arts graphiques.
25. Sagrada Familia del roble. Giulio Romano, quizá con intervención de Rafael. Óleo sobre madera de chopo, 144 x 110 cm. 1518 – 1520. Madrid, Museo Nacional del Prado.
San José, apoyado sobre una ruina clásica, mira cómo la Virgen María sostiene al Niño Jesús, mientras Éste recibe de San Juan un rollo con el Ecce Agnus Dei. La inscripción, que traducida del latín significa Éste es el cordero de Dios, hace referencia a la Pasión de Cristo, quien se entrega en sacrificio, como se hacía en el judaísmo con los corderos, para salvar a los hombres del pecado. 
El roble que aparece tras el grupo principal da nombre a la obra, y separa a las figuras del paisaje del fondo y de las ruinas de las Termas de Caracalla de la izquierda. 
La composición de esta obra fue diseñada por Rafael, quien probablemente también realizó un primer boceto, pero sería retocada y ultimada por Giulio Romano. Podemos observar su proximidad con la composición de la pintura conocida como La Perla (P-301), también de Rafael, por la importancia que se le da al paisaje y por el interés por los contrastes lumínicos, aunque difieren en el modo en el que se agrupan las figuras, que aquí lo hacen diagonal y no piramidalmente. 
Esta obra fue regalada por Niccolò Ludovissi a Felipe IV (1605-1665) en 1640, se cita en el Monasterio de El Escorial en 1667.
26. Pie de candelabro conocido como Candelabro Borghese. Taller romano. Mármol pentélico, 113 x 61,5 cm cada cara (base triangular). Peso: 400-500 kg. 25 a.C .- 25 d.C. París, Musée du Louvre. Département des Antiquités grecques, étrusques et romaines

Vírgenes con el Niño y Sagradas Familias de pequeño formato

27. La Virgen con el Niño y san Juanito, conocida como La Madonnina. Giulio Romano. Óleo sobre tabla, 29 x 25 cm. 1515 – 1516. París, Musée du Louvre. Département des peintures
28.La Virgen con el Niño, conocida como La Virgen Wellington. Giulio Romano
Óleo sobre tabla, 50,8 x 38,8 cm. 1516 – 1518. Londres, The Wellington Collection, Apsley House (English Heritage)
29. La Virgen con el Niño y san Juanito. Giulio Romano. Óleo sobre tabla, 126 x 85 cm. 1518 (?) Roma, Galleria Borghese
30. La Virgen con el Niño, santa Isabel y san Juanito, conocida como Sagrada Familia pequeña. Rafael y taller (¿). Óleo sobre tabla, 38 x 32 cm. h. 1517 – 1518. París, Musée du Louvre. Département des peintures. Collection de Louis XIV (acquis de Loménie de Brienne vers 1663.
31. Estudio de composición [para la Sagrada Familia pequeña]. Giulio Romano. Sanguina sobre marcas de estilete sobre papel, 26,7 x 22,3 cm. 1517 – 1518. Londres, The Royal Collection. Lent by Her Majesty Elizabeth II
32. Ceres o La Abundancia (“Dovizia”). Giulio Romano. Óleo sobre tabla, 38 x 31 cm. h. 1517 – 1518. París, Musée du Louvre. Département des peintures. Collection de Louis XIV (acquis de Loménie de Brienne vers 1663).
33. La Virgen con el Niño, santa Isabel y san Juanito (versión de La Sagrada Familia pequeña). Gianfrancesco Penni. Óleo sobre tabla, 40,3 x 28,9 cm. h. 1518. Colección particular.
34. La Virgen con el Niño, conocida como Virgen Hertz. Giulio Romano. Óleo sobre tabla, 36 x 30,5 cm. 1516 – 1517. Roma, Galleria Nazionale d’Arte Antica di Palazzo Barberini
35. Estudio de composición [para la Virgen Hertz]. Giulio Romano. Lápiz negro y albayalde sobre marcas de estilete sobre papel, 27,4 x 21 cm. 1516 – 1517. Colección particular
36. La Sagrada Familia con san Juanito, conocida como La Sagrada Familia Spinola. Giulio Romano. Óleo sobre tabla, 77,8 x 61,9 cm. 1517 – 1518 (o posterior, h. 1520). Los Ángeles, The J. Paul Getty Museum.
37. La Virgen con san Juanito. Gianfrancesco Penni. Óleo sobre tabla, 76 x 53,3 cm. 1516 – 1517. Dorset, Kingston Lacy, The Bankes Collection (The National Trust)
38. La Virgen con el Niño y san Juanito, conocida como La Virgen de la diadema azul. Rafael y taller (?). Óleo sobre tabla, 68 x 48 cm. h. 1512 – 1520. París, Musée du Louvre. Département des peintures. Collection de Louis XV (acquis en 1742)
39.La Sagrada Familia con san Juanito y santa Catalina. Gianfrancesco Penni. Óleo sobre lienzo, 125 x 93,5 cm. 1520 – 1522 (?). Colección particular. Lent Courtesy Childs Gallery, Boston, Massachusetts
40. San Juan Bautista en el desierto llenando su cuenco. Gianfrancesco Penni. Óleo sobre tabla, 65 x 48,5 cm. h. 1516. Colección particular.
41. La Virgen con el Niño y san José, conocida como La Sagrada Familia del libro. Atribuido a Gianfrancesco Penni (?). Óleo sobre tabla, 35,4 x 24 cm. h. 1512 – 1514. Florencia, Galleria Palatina di Palazzo Pitti
42. La Natividad. Gianfrancesco Penni. Óleo sobre tabla, 90 x 69 cm. 1514 – 1518. Roma, Galleria Borghese
43. La Natividad. Gianfrancesco Penni.Óleo sobre tabla, 76,4 cm (diám.). 1513 – 1514. Cava dei Tirreni (Campania, Italia), Badia della Santissima Trinità, Museo
44. Estudio de composición [para La Natividad]. Gianfrancesco Penni. Preparado a lápiz, aguada de tinta parda y realces de albayalde sobre papel, 19,7 x 24,9 cm. h. 1513 – 1518. Oxford, The Ashmolean Museum. Purchased, 1940

Giulio Romano

45. La Circuncisión. Giulio Romano. Óleo sobre tabla transferido a lienzo, 115 x 122 cm. h. 1522. París, Musée du Louvre. Département des peintures. Collection de Louis XIV (acquis en 1684)
46.La Flagelación. Giulio Romano y colaborador. Óleo sobre lienzo, 164 x 145 cm. h. 1520 – 1521. Roma, Basilica di Santa Prassede. Ministero dell’Interno, Dipartimento per le Libertà e l’Immigrazione, Direzione Centrale per l’Amministrazione del Fondo Edifici di Culto
47. Cristo en gloria con santos, conocido como La Déesis. Giulio Romano. Óleo sobre tabla, 122 x 98 cm. h. 1519 – 1520. Parma, Galleria Nazionale
48. La Virgen con el Niño. Giulio Romano. Óleo sobre tabla, 105 x 77 cm. h. 1522. Florencia, Galleria degli Uffizi.
49. Cartón para La Lapidación de san Esteban. Giulio Romano. Carboncillo y lápiz negro sobre papel montado sobre lienzo, 411 x 285 cm. 1520 – 1521. Ciudad del Vaticano, Musei Vaticani
50. Estudio de una de las figuras [de La Lapidación de san Esteban]. Giulio Romano. Lápiz negro sobre papel preparado agarbanzado, 38,9 x 12,4 cm. 1520 – 1521. Londres, The Royal Collection. Lent by Her Majesty Queen Elizabeth II.

Retratos

51. El cardenal Bernardo Dovizi da Bibbiena. Rafael (y taller?). Óleo sobre lienzo, 85 x 66,3 cm. h. 1516 – 1517. Florencia, Galleria Palatina di Palazzo Pitti
52. Giuliano de Médicis. Rafael y taller. Temple y óleo sobre lienzo (pegado sobre una tabla moderna), 83.2 x 66 cm. 1515. Nueva York, The Metropolitan Museum of Art. The Jules Bache Collection, 1949
53. Doña Isabel de Requesens y Enríquez de Cardona-Anglesola. Giulio Romano, quizá con intervención de Rafael. Óleo sobre tabla transferido a lienzo, 120 x 95 cm. 1518. París, Musée du Louvre. Département des peintures. Collection de François Ier.
54. Lorenzo de Médicis, duque de Urbino. Rafael. Óleo sobre lienzo, 97 x 79 cm. 1518. Colección particular
55. Baldassare Castiglione. Rafael. Óleo sobre lienzo, 82 x 67 cm. 1519. París, Musée du Louvre. Département des peintures. Collection de Louis XIV
56. Autorretrato con Giulio Romano, conocido como Autorretrato con un amigo. Rafael. Óleo sobre lienzo, 99 x 83 cm. 1519 – 1520. París, Musée du Louvre. Département des peintures. Entré dans la collection royale avant 1625.
57. Bindo Altoviti. Rafael. Óleo sobre tabla, 59,7 x 43,8 cm. h. 1516 – 1518. Washington, National Gallery of Art, Samuel H. Kress Collection 1943.4.33
58. Retrato de una joven (¿Fiammetta Soderini?). Giulio Romano, posiblemente retocado por Rafael. Óleo sobre tabla, 60 x 44 cm. h. 1518 – 1520. Estrasburgo, Musée des Beaux-Arts
59. Retrato de un joven. Giulio Romano. Óleo sobre tabla, 43,8 x 29 cm. 1518 – 1519. Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza
60.Mujer ante el espejo. Giulio Romano. Óleo sobre tabla transferido a lienzo, 105 x 83,5 cm
1523 – 1524. Moscú, Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin

La Transfiguración. Grupo de obras que se mostrará en la sala 49 (Edificio Villanueva)

61. Copia de La Transfiguración. Taller de Giulio Romano y Gianfrancesco Penni. Óleo sobre tabla, 396 x 263 cm. 1520 – 1528 (?). Madrid, Museo Nacional del Prado.
La obra original fue encargada en 1516 por el Cardenal Giulio de Medici para la Catedral de Narbona. El prelado solicitó a Sebastiano del Piombo para el mismo destino unaResurrección de Lázaro, dando lugar a una competición entre ambos artistas. Giulio se quedó con la obra de Rafael y encargó una copia a Giovanni Francesco Penni, quien la llevó a Nápoles. 
La Transfiguración es el más ambicioso cuadro de altar de Rafael, en el que incluyó un episodio ajeno a este pasaje bíblico, el fracaso de los Apóstoles al exorcizar a un endemoniado, que le permitió una exhibición de estados físicos y anímicos susceptibles de superar a los desplegados por Piombo. 
La copia difiere del original tanto por su calidad como en detalles puntuales -Cristo, Elías y Moisés aparecen inmersos en una aureola y han desaparecido los árboles a la izquierda-, pero también por una notable atenuación del claroscuro. 
A mediados del siglo XVII el duque de Medina de las Torres adquirió la pintura, que su hijo Nicolás cedió a las Carmelitas de Santa Teresa de Madrid.
62. Estudio de composición [para La Transfiguración]. Taller de Giulio Romano y Gianfrancesco Penni. Lápiz negro, tinta parda a pluma y aguada de tinta parda sobre papel preparado con tinta. parda clara; realces de albayalde de Michel II Corneille, 41,3 x 27,4 cm. Después de 1516. París, Musée du Louvre. Département des Arts graphiques
63. Estudio para Cristo, Moisés, Elías, tres apóstoles y otras dos figuras. Rafael. Sanguina sobre marcas de estilete, cuadrícula a lápiz sobre papel, 24,6 x 35 cm. 1518 – 1519 (?). The Trustees of the Chatsworth Settlement
64. Estudio para san Mateo y otro apóstol. Rafael. Sanguina sobre marcas de estilete sobre papel, 32,8 x 23,2 cm. h. 1518 – 1519 (?). The Trustees of the Chatsworth Settlement
65. Cartón auxiliar para la cabeza de un apóstol joven. Rafael. Lápiz y clarión sobre marcas de estarcido sobre papel, 37,5 x 27,8 cm. 1519 – 1520 (?). The Trustees of the Chatsworth Settlement
66. Estudio para dos apóstoles. Rafael. Sanguina sobre marcas de estilete sobre papel; trazos de lápiz negro sobre la figura de la izquierda, quizás por contradibujo, 34,1 x 22,3 cm. 1518 – 1519 (?). París, Musée du Louvre. Département des Art graphiques
67. Estudio para el joven endemoniado y su padre. Giulio Romano. Sanguina sobre marcas de estilete (bajo la figura del padre) sobre papel, 28,6 x 19,2 cm. 1518 – 1519 (?). Milán, Veneranda Biblioteca Ambrosiana. Pinacoteca
68. Estudio de composición con las figuras desnudas [para La Transfiguración]. Copia según Gianfrancesco Penni, según Rafael. Tinta parda a pluma sobre marcas de estilete y en la parte. superior lápiz negro, 53,4 x 37,6 cm. h. 1550. Viena. Albertina
69. Estudio de drapeado para un apóstol. Rafael. Lápiz negro y realces de clarión sobre papel, 26,4 x 19,8 cm. 1518 – 1519 (?). París, Musée du Louvre. Département des Art graphiques.
70. Estudio para la cabeza, hombro y brazo de la mujer arrodillada. Rafael. Lápiz negro y clarión sobre marcas de estarcido sobre papel, 33 x 24,2 cm. 1518 – 1519 (?). Ámsterdam, Rijksmuseum
71. Cartón auxiliar para la cabeza de san Mateo. Rafael. Lápiz negro y carboncillo sobre marcas de estarcido sobre papel, 39,9 x 35 cm. 1519 – 1520 (?). Londres, British Museum
72. Cartón auxiliar para la cabeza de un apóstol. Rafael. Lápiz negro sobre marcas de estarcido sobre papel preparado agarbanzado, 26,4 x 19,8 cm. h. 1519 – 1520 (?). Londres, British Museum
73. Cartón auxiliar para las cabezas y manos de dos apóstoles. Rafael. Lápiz negro con toques de clarión sobre marcas de estarcido sobre papel agrisado, 49,9 x 36,4 cm. h. 1519 – 1520 (?). Oxford, The Ashmolean Museum. Presented by a Body of Subscribers, 1846
74. Modello para la primera versión [de La Transfiguración]. Copia según Gianfrancesco Penni (?), según Rafael. Aguada de tinta parda con toques de albayalde sobre papel preparado con tinta gris oscura, 39,8 x 26,8 cm. 1516. Viena, Albertina.

 

 

arte para llegar a Dios, arte + fe en la Fundación Pons; patrocina la JMJ

1 septiembre, 2011

EXPOSICIÓN ‘ARTE + FE’ EN LA FUNDACIÓN PONS.

EL LENGUAJE ROMPEDOR DEL ARTE CONTEMPORÁNEO  PARA LLEGAR A DIOS.

“El pensamiento moderno vive de una desconfianza general. Esta exposición pretende ser un arte que construye, esperanzador”, ha explicado María Tarruella, comisaria de la exposición

La exposición Arte + Fe reunió en la Fundación Pons (C/ Serrano, 138) durante la JMJ Madrid 2011 obras de artistas contemporáneos cristianos provenientes de los cinco continentes.

Se trata de una exposición fruto de una rigurosa selección, entre más de 3.000 artistas a nivel mundial, elegidos por ser bandera en el arte contemporáneo cristiano: puentes entre el arte y la fe.

Lo rompedor y lo profundo no está reñido. Tampoco el arte contemporáneo y la fe. Así lo demuestran las 36 obras (instalaciones, performances, cuadros, fotografías) de la muestra, procedentes de países de los cinco continentes, Estados Unidos, Japón, Holanda, Liberia, Australia o Filipinas. Óleos conceptuales e instalaciones vanguardistas con diversos materiales: desde chapa, cabello humano a botellas de Coca Cola esmaltadas

Es la primera vez en Europa que se organiza una exposición internacional con artistas vanguardistas y comprometidos con su fe cristiana ya sea católica, ortodoxa o protestante. El pensamiento moderno vive de una desconfianza general. Esta exposición pretende ser un arte que construye, esperanzador.

Esta muestra pone de manifiesto que el sentido religioso no es algo de ayer, sino algo inherente al ser humano, que se expresa a través de los lenguajes artísticos de cada época. Las obras seleccionadas van desde lo más conceptual a otras con un punto de referencia más clásico. Este es el caso de la obra del holandés William Zijlstra que en su obra ‘Agnus Dei’ hace un claro paralelismo con la obra homónima de Zurbarán. Esta vez el cordero es inmolado en un altar moderno, hecho con periódicos con la noticia ‘El hombre es capaz de cualquier horror’, un artículo sobre el Holocausto. Lo inexplicable desde el punto de vista humano, como la crucifixión de Cristo o el sufrimiento del siglo XX, tiene sentido a la luz de la fe.

El castellonense Alejandro Mañas que utiliza tres botellas de Coca Cola esmaltadas para hablar de santa Teresa, san Juan de la Cruz y san Sebastián. David López a través de su obra ‘Nowa Huta’, nos muestra la silueta de Cristo crucificado con imágenes cotidianas en su interior.

Lo participativo también tiene cabida en esta exposición. Por ejemplo, la obra ‘Las lágrimas de María Magdalena’, de la sevillana Adriana Torres de Silva, una instalación realizada con cabello que cuelga sobre una pintura cubierta de agua, y que invita al visitante a descubrirla retirando el pelo al mismo tiempo que huele el perfume que está derramado en el agua.

Otra de ellas es la instalación realizada por el filipino Jason Dy, artista y sacerdote jesuita, cuya obra está formada por botellas de cristal con recuerdos de seres queridos difuntos. Los visitantes de esta exposición que lo deseen podrán ‘rellenar’ las botellas con un recuerdo para sus seres queridos ausentes, como si de una carta a ellos y a Dios se tratase.

Todas estas obras salen de la creatividad de artistas muchas veces marcados por experiencias muy fuertes en las que han descubierto la fe. Es el caso de Eugene Perry, africano encarcelado por cometer un robo: en su situación de preso descubre el amor de Dios y encuentra la inspiración para su obra ‘Amor protector’ hecha con metal reciclado.

En las cárceles también ha transcurrido la vida de Sarai Aser, artista chilena afincada en Rotterdam, esta vez como ayuda a los demás. Su obra ‘Virginidad’ pretende mostrar el mensaje que ofrece a las mujeres de las cárceles con las que trata: la oportunidad de volver a recomenzar frente a situaciones de marcado sufrimiento por la prostitución u otros motivos relacionados con la sexualidad.

La muestra ha contado con la colaboración del National Museum of Catholic Art de Washington DC, donde la exposición se trasladará después de la JMJ.

FUENTE: (ZENIT.org)

http://www.es.catholic.net/laiglesiahoy/noticias.php?option=zenit&id=40041

ARTE-PARA-LLEGAR-A-DIOS (english)

http://www.madrid11.com/en/cultural/1266-arte-para-llegar-a-dios


GALERÍA DE ILUSTRACIONES

encuentros, vida y resurrección de Cristo, exposición de fondos del Museo Thyssen; patrocina la JMJ

31 agosto, 2011

“ENCUENTROS”. EPISODIOS DE LA VIDA Y RESURRECCIÓN DE CRISTO. MUSEO  THYSSEN-BORNEMISZA.

El Museo  Thyssen-Bornemisza organizará en la Sala de Exposiciones Contexto, en el Balcón-Mirador de la Planta Primera del Museo una exposición del 2 de agosto al 4 de septiembre de 2011 de entrada gratuita, con una selección de nueve cuadros de sus fondos de la Colección Permanente de Pintura Antigua. La muestra se titula “Encuentros” e ilustra diversos episodios/encuentros, de  Cristo en tres etapas de su vida. Los artistas escogidos son de distintas escuelas y épocas que abarcan desde el siglo XIV al siglo XVIII.

 

DE LA INFANCIA DE CRISTO se recoge el encuentro de “JESÚS ENTRE LOS DOCTORESde ALBERTO DURERO (1506).

JESÚS EN EL TEMPLO. Lucas 2, 41-51

41 José y María iban todos los años a la ciudad de Jerusalén para celebrar la fiesta de la Pascua. 42 Cuando Jesús cumplió doce años, los acompañó a Jerusalén.

43 Al terminar los días de la fiesta, sus padres regresaron a su casa; pero, sin que se dieran cuenta, Jesús se quedó en Jerusalén. 44 José y María caminaron un día entero, pensando que Jesús iba entre los compañeros de viaje. Después lo buscaron entre los familiares y conocidos, 45 pero no lo encontraron. Entonces volvieron a Jerusalén para buscarlo.

46 Al día siguiente encontraron a Jesús en el templo, en medio de los maestros de la Ley. Él los escuchaba con atención y les hacía preguntas. 47 Todos estaban admirados de su inteligencia y de las respuestas que daba a las preguntas que le hacían.

48 Sus padres se sorprendieron al verlo, y su madre le reclamó:

—¡Hijo! ¿Por qué nos has hecho esto? Tu padre y yo te hemos buscado. Estábamos muy preocupados por ti.

49 Pero Jesús les respondió:

—¿Y por qué me buscaban? ¿No sabían que yo debo estar en la casa de mi Padre?

50 Ellos no entendieron lo que quiso decirles.

51 Entonces Jesús volvió con sus padres a Nazaret, y los obedecía en todo.

41 José y María iban todos los años a la ciudad de Jerusalén para celebrar la fiesta de la Pascua. 42 Cuando Jesús cumplió doce años, los acompañó a Jerusalén.

43 Al terminar los días de la fiesta, sus padres regresaron a su casa; pero, sin que se dieran cuenta, Jesús se quedó en Jerusalén. 44 José y María caminaron un día entero, pensando que Jesús iba entre los compañeros de viaje. Después lo buscaron entre los familiares y conocidos, 45 pero no lo encontraron. Entonces volvieron a Jerusalén para buscarlo.

46 Al día siguiente encontraron a Jesús en el templo, en medio de los maestros de la Ley. Él los escuchaba con atención y les hacía preguntas. 47 Todos estaban admirados de su inteligencia y de las respuestas que daba a las preguntas que le hacían.

48 Sus padres se sorprendieron al verlo, y su madre le reclamó:

—¡Hijo! ¿Por qué nos has hecho esto? Tu padre y yo te hemos buscado. Estábamos muy preocupados por ti.

49 Pero Jesús les respondió:

—¿Y por qué me buscaban? ¿No sabían que yo debo estar en la casa de mi Padre?

50 Ellos no entendieron lo que quiso decirles.

51 Entonces Jesús volvió con sus padres a Nazaret, y los obedecía en todo.

http://www.biblegateway.com/

Jesús entre los doctores. Alberto Durero (1506).

Considerada una de las obras maestras de la colección del Museo Thyssen-Bornemisza, esta tabla de Durero está fechada y firmada con su anagrama en el libro que aparece en primer plano. Pintada en Venecia en 1506, en su original composición destacan rasgos de la pintura italiana, como la representación de las figuras de medio cuerpo, la distribución de las cabezas y el estudio de los gestos a través de la disposición de las manos que señalan el eje central del óleo donde predomina la imagen de Jesús. Durero fue el pintor más importante del Renacimiento alemán, y su producción fue un compendio de la pintura del norte y de la italiana, convirtiéndose en el principal difusor de las nuevas ideas en el norte de Europa.

 

DE SU ETAPA PÚBLICA se ofrece la mayor parte de la selección de cuadros: 

 

CRISTO EN LA TEMPESTAD DEL MAR DE GALILEA”. BRUEGHEL EL VIEJO (1596).

La gran tormenta.  Lucas 8, 22-25

22 Un día, Jesús subió a una barca con sus discípulos, y les dijo: «Vamos al otro lado del lago». Entonces partieron, 23-24 y mientras navegaban Jesús se quedó dormido. De pronto se desató una tormenta sobre el lago, y el agua empezó a meterse en la barca. Los discípulos, al ver el grave peligro que corrían, a gritos despertaron a Jesús:

—¡Maestro, Maestro, nos hundimos!

Jesús se levantó, y ordenó al viento y a las olas que se calmaran. Y así fue; todo quedó tranquilo. 25 Luego les dijo a los discípulos:

—¡Ustedes no confían en mí!

Pero ellos estaban tan asustados y asombrados que se decían: «¿Quién es este hombre, que hasta el viento y las olas lo obedecen?»

La gran tormenta.  Marcos 4, 37-40

35 Ese mismo día, cuando llegó la noche, Jesús les dijo a sus discípulos: «Vamos al otro lado del lago.»

36 Entonces dejaron a la gente y atravesaron el lago en una barca. Algunos fueron también en otras barcas.

37 De pronto se desató una tormenta. El viento soplaba tan fuerte que las olas se metían en la barca, y ésta empezó a llenarse de agua.

38 Entre tanto, Jesús se había quedado dormido en la parte de atrás de la barca, recostado sobre una almohada. Los discípulos lo despertaron y le gritaron:

—Maestro, ¿no te importa que nos estemos hundiendo?

39 Jesús se levantó y ordenó al viento y al mar que se calmaran. Enseguida el viento se calmó, y todo quedó completamente tranquilo.

40 Entonces Jesús dijo a sus discípulos:

—¿Por qué estaban tan asustados? ¿Todavía no confían en mí?

41 Pero ellos estaban muy asombrados, y se decían unos a otros: «¿Quién es este hombre, que hasta el viento y el mar lo obedecen?»

La gran tormenta.  Mateo 8, 23-27

23 Jesús subió a la barca y se fue con sus discípulos. 24 Todavía estaban navegando cuando se desató una tormenta tan fuerte que las olas se metían en la barca. Mientras tanto, Jesús dormía. 25 Entonces sus discípulos fueron a despertarlo:

—¡Señor Jesús, sálvanos, porque nos hundimos!

26 Jesús les dijo:

—¿Por qué están tan asustados? ¡Qué poco confían ustedes en Dios!

Jesús se levantó y les ordenó al viento y a las olas que se calmaran, y todo quedó muy tranquilo. 27 Los discípulos preguntaban asombrados:

—¿Quién será este hombre, que hasta el viento y las olas lo obedecen?

Cristo en la tempestad del mar de Galilea.  Brueghel el Viejo (1596)

Su suave toque de pincel le valió el apodo de Velours, terciopelo. Jan Brueghel I nació en el seno de una familia de pintores y desarrolló parte de su carrera artística en Italia, donde gozó de la protección del cardenal y coleccionista Federico Borromeo, a quien perteneció una versión anterior de esta misma obra hoy conservada en la Pinacoteca Ambrosiana de Milán. Este óleo sobre cobre narra el episodio de la tempestad en el lago Tiberiades, según el cual, en una barca once de los apóstoles luchan contra el viento y las olas mientras Jesús duerme. Al fondo, en el paisaje costero, destaca el castillo dell’Ovo de Nápoles, ciudad en la que Brueghel está documentado en 1590. Jan Brueghel I realizó numerosas escenas costeras además de pinturas alegóricas, mitológicas y naturalezas muertas con flores y guirnaldas que le valieron gran reconocimiento en su época.

 

EL ENCUENTRO NARRADO EN EL EVANGELIO DE SAN JUAN EN EL QUE JESÚS CONVERSA CON LA SAMARITANA EN EL POZO DE JACOB ESTÁ NARRADO DOBLEMENTE POR DUCCIO DI BUONINSEGNA (1310-1311) Y POR EL GUERCINO(1640-1641).

La samaritana y Jesús. Juan 4, 1-30

1-3 Los fariseos se enteraron de que el número de seguidores de Jesús aumentaba cada día más, y de que Jesús bautizaba más que Juan el Bautista. Cuando Jesús se dio cuenta de que los fariseos se habían enterado de eso, salió de la región de Judea y regresó a Galilea. 4 En el viaje, tenía que pasar por Samaria. 5 En esa región llegó a un pueblo llamado Sicar. Cerca de allí había un pozo de agua que hacía mucho tiempo había pertenecido a Jacob.[a] Cuando Jacob murió, el nuevo dueño del terreno donde estaba ese pozo fue su hijo José.

6 Eran como las doce del día, y Jesús estaba cansado del viaje. Por eso se sentó a la orilla del pozo, 7-8 mientras los discípulos iban al pueblo a comprar comida.

En eso, una mujer de Samaria llegó a sacar agua del pozo. Jesús le dijo a la mujer:

—Dame un poco de agua.

9 Como los judíos no se llevaban bien con los de Samaria,[b] la mujer le preguntó:

—¡Pero si usted es judío! ¿Cómo es que me pide agua a mí, que soy samaritana?

10 Jesús le respondió:

—Tú no sabes lo que Dios quiere darte, y tampoco sabes quién soy yo. Si lo supieras, tú me pedirías agua, y yo te daría el agua que da vida.

11 La mujer le dijo:

—Señor, ni siquiera tiene usted con qué sacar agua de este pozo profundo. ¿Cómo va a darme esa agua? 12 Hace mucho tiempo nuestro antepasado Jacob nos dejó este pozo. Él, sus hijos y sus rebaños bebían agua de aquí. ¿Acaso es usted más importante que Jacob?

13 Jesús le contestó:

—Cualquiera que bebe del agua de este pozo vuelve a tener sed, 14 pero el que beba del agua que yo doy nunca más tendrá sed. Porque esa agua es como un manantial del que brota vida eterna.

15 Entonces la mujer le dijo:

—Señor, déme usted de esa agua, para que yo no vuelva a tener sed, ni tenga que venir aquí a sacarla.

16 Jesús le dijo:

—Ve a llamar a tu esposo y regresa aquí con él.

17 —No tengo esposo —respondió la mujer.

Jesús le dijo:

—Es cierto, 18 porque has tenido cinco, y el hombre con el que ahora vives no es tu esposo.

19 Al oír esto, la mujer le dijo:

—Señor, me parece que usted es un profeta. 20 Desde hace mucho tiempo mis antepasados han adorado a Dios en este cerro,[c] pero ustedes los judíos dicen que se debe adorar a Dios en Jerusalén.

21 Jesús le contestó:

—Créeme, mujer, pronto llegará el tiempo cuando, para adorar a Dios, nadie tendrá que venir a este cerro ni ir a Jerusalén. 22 Ustedes los samaritanos no saben a quién adoran. Pero nosotros los judíos sí sabemos a quién adoramos. Porque el salvador saldrá de los judíos. 23-24 Dios es espíritu, y los que lo adoran, para que lo adoren como se debe, tienen que ser guiados por el Espíritu. Se acerca el tiempo en que los que adoran a Dios el Padre lo harán como se debe, guiados por el Espíritu, porque así es como el Padre quiere ser adorado. ¡Y ese tiempo ya ha llegado!

25 La mujer le dijo:

—Yo sé que va a venir el Mesías, a quien también llamamos el Cristo. Cuando él venga, nos explicará todas las cosas.

26 Jesús le dijo:

—Yo soy el Mesías. Yo soy, el que habla contigo.

27 En ese momento llegaron los discípulos de Jesús, y se extrañaron de ver que hablaba con una mujer. Pero ninguno se atrevió a preguntarle qué quería, o de qué conversaba con ella.

28 La mujer dejó su cántaro, se fue al pueblo y le dijo a la gente: 29 «Vengan a ver a un hombre que sabe todo lo que he hecho en la vida. ¡Podría ser el Mesías!»

30 Entonces la gente salió del pueblo y fue a buscar a Jesús.

Cristo y la Samaritana. Duccio di Buoninsegna (1310-1311)

Esta obra de pequeñas dimensiones formaba parte de la predela de la Maestà, un impresionante altar que Duccio realizó para el Duomo de Siena. Hacia 1771, el conjunto fue desmembrado y las tablas se dispersaron para pasar, más tarde, a colecciones privadas o museos. El maestro sienés, al igual que hizo Giotto en Florencia, inició una verdadera transformación en la pintura italiana alejándose de los patrones del arte bizantino en busca de una forma de representación más naturalista. Duccio narra en esta tabla un episodio tomado del Evangelio de san Juan en el que Jesús conversa con la samaritana en el pozo de Jacob. La composición es un ejemplo de los primeros intentos de la pintura por conseguir la perspectiva en la representación.

Jesús y la samaritana en el pozo. Guercino. 1640-41.

La escena narra el pasaje del Evangelio de san Juan en el que Jesús, llegando a las puertas de la ciudad de Samaria, se sienta en un pozo, donde entabla conversación con una mujer samaritana, episodio bíblico que simboliza el tema del bautismo y la conversión por medio de la palabra. Ambas figuras ocupan la mayor parte del lienzo y, representadas de medio cuerpo en torno al brocal del pozo, se comunican mediante miradas y gestos en los que Il Guercino demuestra gran maestría. La paleta cromática es muy rica, y la calidad de la pintura se manifiesta incluso en la descripción de los paños y en la de los objetos que recoge. Al fondo, Il Guercino interpreta un paisaje de corte clasicista que aporta serenidad a la composición.


MARINUS VAN REYMERSWAELE.LA VOCACIÓN DE SAN MATEO” (1530)

Jesús llama a Mateo. Lucas 5, 27

27 Después de esto, Jesús se fue de aquel lugar. En el camino vio a un hombre llamado Mateo, que estaba cobrando impuestos para el gobierno de Roma. Jesús le dijo: «Sígueme».

28 Mateo se levantó, dejó todo lo que tenía, y lo siguió.

29 Ese mismo día, Mateo ofreció en su casa una gran fiesta en honor de Jesús. Allí estaban comiendo muchos cobradores de impuestos y otras personas. 30 Algunos fariseos y maestros de la Ley comenzaron a hablar contra los discípulos de Jesús, y les dijeron:

—¿Por qué comen ustedes con los cobradores de impuestos y con toda esta gente mala?

31 Jesús les respondió:

—Los que necesitan del médico son los enfermos, no los que están sanos. 32 Yo vine a invitar a los pecadores para que regresen a Dios, no a los que se creen buenos.

Jesús llama a Mateo. Marcos 2, 14-18

13 Después de esto, Jesús fue otra vez a la orilla del Lago de Galilea. Mucha gente se reunió a su alrededor, y él se puso a enseñarles.

14 Luego, mientras caminaban, Jesús vio a Mateo hijo de Alfeo, que estaba sentado en el lugar donde cobraba los impuestos para Roma. Jesús le dijo: «Sígueme.»

Mateo se levantó enseguida y lo siguió.

15 Más tarde, Jesús y sus discípulos estaban cenando en la casa de Mateo. Muchos de los que cobraban impuestos, y otras personas de mala fama que ahora seguían a Jesús, también fueron invitados a la cena.

16 Cuando algunos maestros de la Ley, que eran fariseos, vieron a Jesús comiendo con toda esa gente, les preguntaron a los discípulos:

—¿Por qué su maestro come con cobradores de impuestos y con gente de mala fama?

17 Jesús los oyó y les contestó:

—Los que necesitan al médico son los enfermos, no los sanos. Y yo vine a invitar a los pecadores para que regresen a Dios, no a los que se creen buenos.

Jesús llama a Mateo. Mateo 9, 9-17

9 Cuando Jesús salió de allí, vio a un hombre llamado Mateo, que estaba sentado cobrando impuestos para el gobierno de Roma. Entonces Jesús le dijo: «Sígueme».

Mateo se levantó y lo siguió.

10 Ese mismo día, Jesús y sus discípulos fueron a comer a casa de Mateo. Allí también estaban comiendo otros cobradores de impuestos y gente de mala fama. 11 Cuando algunos fariseos vieron a toda esa gente, les preguntaron a los discípulos:

—¿Por qué su maestro come con cobradores de impuestos y con pecadores?

12 Jesús oyó lo que decían los fariseos y les dijo:

—Los que necesitan del médico son los enfermos, no los que están sanos. 13 Mejor vayan y traten de averiguar lo que Dios quiso decir con estas palabras: “Prefiero que sean compasivos con la gente, y no que me traigan ofrendas”. Yo vine a invitar a los pecadores para que sean mis discípulos, no a los que se creen buenos.



La vocación de San Mateo de Marinus van Reymerswaele (1530)

Pintor del que se tienen pocas referencias y que ha sido identificado también como Marinus Claessoon o «Moryn Claessone Zeelander». Reymerswaele toma el nombre de su ciudad natal y su pintura muestra principalmente la influencia de los pintores de su entorno seguidores del estilo de Quentin Metsys. Mientras el realismo en la descripción de los detalles recuerda a Alberto Durero, la influencia más lejana de Leonardo da Vinci se percibe en la representación caricaturesca de los personajes. Su repertorio fue muy limitado, predominando las escenas de cambistas y prestamistas representados en cuidados interiores que se han considerado un sólido antecedente de la pintura de género.

 

AERT DE GELDER, DISCÍPULO DE REMBRANDT,“CRISTO Y LA MUJER ADÚLTERA(1683)

 

¡No vuelvas a pecar! . Juan 8, 1-11

 

2 Al día siguiente, al amanecer, Jesús regresó al templo. La gente se acercó, y él se sentó[a] para enseñarles. 3 Entonces los maestros de la Ley y los fariseos llevaron al templo a una mujer. La habían sorprendido teniendo relaciones sexuales con un hombre que no era su esposo. Pusieron a la mujer en medio de toda la gente, 4 y le dijeron a Jesús:

—Maestro, encontramos a esta mujer cometiendo pecado de adulterio. 5 En nuestra ley, Moisés manda que a esta clase de mujeres las matemos a pedradas. ¿Tú qué opinas?

6 Ellos le hicieron esa pregunta para ponerle una trampa. Si él respondía mal, podrían acusarlo. Pero Jesús se inclinó y empezó a escribir en el suelo con su dedo. 7 Sin embargo, como no dejaban de hacerle preguntas, Jesús se levantó y les dijo:

—Si alguno de ustedes nunca ha pecado, tire la primera piedra.

8 Luego, volvió a inclinarse y siguió escribiendo en el suelo. 9 Al escuchar a Jesús, todos empezaron a irse, comenzando por los más viejos, hasta que Jesús se quedó solo con la mujer. 10 Entonces Jesús se puso de pie y le dijo:

—Mujer, los que te trajeron se han ido. ¡Nadie te ha condenado!

11 Ella le respondió:

—Así es, Señor. Nadie me ha condenado.

Jesús le dijo:

—Tampoco yo te condeno. Puedes irte, pero no vuelvas a pecar.

 

Cristo y la mujer adúltera. Aert de Gelder(1683)

Tras dos años como discípulo de Rembrandt, el estilo de su maestro impregnó la mayor parte de su producción tanto en el diseño de sus composiciones como en la técnica, de pinceladas empastadas, a lo que Gelder sumó su peculiar paleta cromática, elemento que aporta originalidad a su pintura. La escena de este óleo narra el episodio bíblico en el que la mujer adúltera, llorando y postrada de rodillas ante la figura de Jesús, es juzgada por los escribas y los fariseos. En un interior arquitectónico desprovisto de detalles, el numeroso grupo de personajes se ha desplazado del centro a la derecha de la composición. La tela está inspirada en otra obra de Rembrandt con el mismo tema conservada en la National Gallery de Londres.

 

DE GIOVANNI PAOLO PANINI SE MUESTRA UN PAR DE LIENZOS “LA EXPULSIÓN DE LOS MERCADERES DEL TEMPLO” Y “LA PISCINA PROBÁTICA” (1724).

 

LA EXPULSIÓN DE LOS MERCADERES DEL TEMPLO”. GIOVANNI PAOLO PANINI   (1724)

Jesús y los comerciantes del templo. Mateo 21, 12-14

12 Cuando Jesús entró en la ciudad de Jerusalén, fue al templo y empezó a sacar a todos los que estaban vendiendo y comprando cosas. Derribó las mesas de los que cambiaban dinero de otros países por dinero del templo, y también tiró los cajones de los que vendían palomas. 13 Y les dijo: «Dios dice en la Biblia: “mi casa será llamada: ‘Casa de oración’.” Pero ustedes la han convertido en cueva de ladrones.»

14 Luego algunos ciegos, y otros que no podían caminar, se acercaron a Jesús, y él los sanó.

15 Los sacerdotes principales y los maestros de la Ley se enojaron mucho al ver los milagros que él hacía, y al oír que los niños le gritaban alabanzas a Jesús, el Mesías. 16 Por eso le dijeron:

—¿Acaso no oyes lo que estos niños están diciendo?

Jesús les contestó:

—Los oigo bien. ¿No recuerdan lo que dice la Biblia?:

“Los niños pequeños, los que aún son bebés, te cantarán alabanzas.”

17 Luego Jesús salió de Jerusalén y se fue al pueblo de Betania. Allí pasó la noche.

Jesús y los comerciantes del templo. Mateo.  Lucas 19, 45-4

45 Cuando Jesús entró en la ciudad de Jerusalén, fue al templo y comenzó a sacar a todos los vendedores que allí estaban, 46 y les dijo: «Dios dice en la Biblia: “Mi casa será una casa de oración”; ¡pero ustedes la han convertido en cueva de ladrones!»

47 Jesús iba al templo todos los días para enseñar. Los sacerdotes principales, los maestros de la Ley y los líderes del pueblo planeaban cómo matarlo; 48 pero no podían hacer nada contra él, pues la gente quería escuchar sus enseñanzas.

Jesús y los comerciantes del templo. Mateo. Juan 2, 13-17

13 Como ya se acercaba la fiesta de los judíos llamada la Pascua, Jesús fue a la ciudad de Jerusalén. 14 Allí, en el templo, encontró a algunos hombres vendiendo bueyes, ovejas y palomas; otros estaban sentados a sus mesas, cambiando monedas extranjeras por monedas judías. 15 Al ver esto, Jesús tomó unas cuerdas, hizo un látigo con ellas, y echó a todos fuera del templo, junto con sus ovejas y bueyes. También arrojó al piso las monedas de los que cambiaban dinero, y volcó sus mesas. 16 Y a los que vendían palomas les ordenó: «Saquen esto de aquí. ¡La casa de Dios, mi Padre, no es un mercado!»

17 Al ver esto, los discípulos recordaron el pasaje de la Biblia que dice: «El amor que siento por tu templo me quema como un fuego.»

La expulsión de los mercaderes del templo de Giovanni Paolo Panini

Esta obra, firmada y fechada en 1724 en Roma, hace pareja con el lienzo titulado La piscina probática. Panini realizó varias versiones de este popular episodio extraído del Nuevo Testamento. La escena se desarrolla en la escalinata exterior del templo, ocupando el centro de la composición la figura de Cristo. Frente a la monumental arquitectura, los personajes se reúnen en distintos grupos articulando la composición, y destacan tanto por el vivo color de sus ropajes como por el movimiento que trasmiten sus gestos y posturas. El cielo, al fondo, acentúa la profundidad de la perspectiva.

 

LA PISCINA PROBÁTICA”. GIOVANNI PAOLO PANINI  (1724).

Jesús sana a un paralítico. Juan 5, 1-15

1 Tiempo después, Jesús regresó a la ciudad de Jerusalén para asistir a una fiesta de los judíos. 2 En Jerusalén, cerca de la entrada llamada «Portón de las Ovejas», había una piscina con cinco entradas, que en hebreo se llamaba Betzatá.[a] 3-4 Allí, acostados en el suelo, había muchos enfermos: ciegos, cojos y paralíticos.[b] 5 Entre ellos había un hombre que desde hacía treinta y ocho años estaba enfermo. 6 Cuando Jesús lo vio allí acostado, y se enteró de cuánto tiempo había estado enfermo, le preguntó:

—¿Quieres que Dios te sane?

7 El enfermo contestó:

—Señor, no tengo a nadie que me meta en la piscina cuando el agua se mueve. Cada vez que trato de meterme, alguien lo hace primero.

8 Jesús le dijo:

—Levántate, alza tu camilla y camina.

9 En ese momento el hombre quedó sano, alzó su camilla y comenzó a caminar.

Esto sucedió un sábado, que es el día de descanso obligatorio para los judíos. 10 Por eso, unos jefes de los judíos le dijeron al hombre que había sido sanado:

—Hoy es sábado, y está prohibido que andes cargando tu camilla.

11 Pero él les contestó:

—El que me sanó me dijo: “Levántate, alza tu camilla y camina.”

12 Ellos preguntaron:

—¿Y quién te dijo que te levantaras y caminaras?

13 Pero el hombre no sabía quién lo había sanado, porque Jesús había desaparecido entre toda la gente que estaba allí.

14 Más tarde, Jesús encontró a ese hombre en el templo, y le dijo: «Ahora que estás sano, no vuelvas a pecar, porque te puede pasar algo peor.»

15 El hombre fue a ver a los jefes judíos, y les dijo que Jesús lo había sanado. 16 Entonces ellos empezaron a perseguir a Jesús por hacer milagros los sábados.

La piscina probática de Giovanni Paolo Panini

Pareja del lienzo La expulsión de los mercaderes del templo, esta obra, de la que existen varias versiones, escenifica el milagro de Jesús narrado en el Evangelio de san Juan. Panini organiza la composición en torno a varias hileras de columnas corintias de gran altura entre las cuales coloca los distintos grupos de personajes. La escena se cierra al fondo con la piscina y un pórtico tras el que se abre un cielo luminoso. En el estilo de Panini se hace patente su formación inicial en Piacenza como escenógrafo, así como el estudio de la pintura de figuras y de paisaje que perfeccionó en Roma.

LA CENA DE EMAÚS”. DE MATTHIAS STOM (C. 1633-1639).

¡Quédate con nosotros!.  Lucas 24, 13-35

13 Ese mismo día, dos de los seguidores de Jesús iban a Emaús, un pueblo a once kilómetros de Jerusalén.

14 Mientras conversaban de todo lo que había pasado, 15 Jesús se les acercó y empezó a caminar con ellos, 16 pero ellos no lo reconocieron. 17 Jesús les preguntó:

—¿De qué están hablando por el camino?

Los dos discípulos se detuvieron; sus caras se veían tristes, 18 y uno de ellos, llamado Cleofás, le dijo a Jesús:

—¿Eres tú el único en Jerusalén que no sabe lo que ha pasado en estos días?

19 Jesús preguntó:

—¿Qué ha pasado?

Ellos le respondieron:

—¡Lo que le han hecho a Jesús, el profeta de Nazaret! Para Dios y para la gente, Jesús hablaba y actuaba con mucho poder. 20 Pero los sacerdotes principales y nuestros líderes lograron que los romanos lo mataran, clavándolo en una cruz. 21 Nosotros esperábamos que él fuera el libertador de Israel. Pero ya hace tres días que murió.

22 »Esta mañana, algunas de las mujeres de nuestro grupo nos dieron un gran susto. Ellas fueron muy temprano a la tumba, 23 y nos dijeron que no encontraron el cuerpo de Jesús. También nos contaron que unos ángeles se les aparecieron, y les dijeron que Jesús está vivo. 24 Algunos hombres del grupo fueron a la tumba y encontraron todo tal como las mujeres habían dicho. Pero ellos tampoco vieron a Jesús.

 

La cena de Emaús de Matthias Stom (1633-1639).

Este lienzo describe un episodio tomado del Evangelio de san Lucas que narra cómo dos de los doce discípulos se disponen a cenar en Emaús junto a un extraño que habían encontrado en su camino al salir de Jerusalén. Jesús, tras bendecir y repartir el pan, es reconocido por ambos personajes que le observan con expresión de estupor. La escena transcurre en un interior iluminado por una vela cuya luz provoca un claroscuro que delata la influencia de la pintura de Caravaggio que Stom conoció durante su estancia en Roma en 1630. Posteriormente, el artista viajó a Nápoles, donde permaneció entre 1633 y 1639, momento en el que pinta esta tela, de la que se conocen ocho versiones.

 

OTRAS ESCENAS RELIGIOSAS DEL MUSEO DEL THYSSEN

http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2011/encuentros/

museo10.html

INFORMACIÓN TOMADA DE:

http://algargosarte.lacoctelera.net/post/2011/08/02/pintura-religiosa-madrid-durante-agosto-2011-la

la palabra hecha imagen en el Museo del Prado; arte + fe, patrocinado por la JMJ Madrid 2011

30 agosto, 2011

PROGRAMA ESPECIAL JMJ 2011

MUSEO DEL PRADO

“La obra invitada”: El Descendimiento de Caravaggio

COMENTARIOS SOBRE EL DESCENDIMIENTO DE CARAVAGGIO

http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/la-obra-invitada-emel-descendimientoem-caravaggio/video/  (Video)

http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/la-obra-invitada-emel-descendimientoem-caravaggio/la-obra/ (Texto)

http://algargosarte.lacoctelera.net/post/2011/08/06/el-descendimiento-caravaggio-naturalismo-tenebrismo-y (Comentario didáctico)


«Palabra hecha imagen»

El préstamo del cuadro “Descendemiento de Cristo” de Michelangelo Merisi “Caravaggio” coincide con la celebración en agosto de las Jornadas Mundiales de la Juventud 2011, que contarán con la visita del Papa Benedicto XVI. Por ello, «El Descendimeitno» formará parte del recorrido temático «La palabra hecha imagen», que incluirá otras trece obras maestras de temática religiosa. Durante el itinerario, el público podrá disfrutar de obras de Rubens, El Greco, Velázquez o Zurbarán, así como reflexionar sobre las descripciones metafóricas de Cristo en los Evangelios y su materialización en la historia de la pintura.

«En el itinerario, se intenta ver cómo los artistas interpretan las palabras de los evangelios. Ellos se tenían que imaginar, buscar una forma visual de describir estas palabras escritas. Queremos ver de qué forma la palabra se convierte la palabra en imagen», dice Finaldi. El itinerario estará señalizado en las salas por cartelas explicativas de carácter especial, en español y en inglés, reconocibles por el logo JMJ 2011, que incluirán información artística, iconográfica y religiosa de la obra. Todo ello, completado con un folleto gratuito y una pequeña guía de mano de venta al público.

Lectura obligada para comprensión de los criterios expositivos:

“El Museo del Prado les da la bienvenida al itinerario que ha preparado para sus visitantes bajo el título «Palabra hecha imagen», coincidiendo con la celebración de la Jornada Mundial de la Juventud, convocada por el papa Benedicto XVI en Madrid durante el verano de 2011.

El hilo argumental de este recorrido son las metáforas y las definiciones que Cristo hace de sí mismo, o que se le aplican, y que aparecen recogidas en los Evangelios, y cómo los artistas les han dado plasmación visual. Para ello, hemos hecho una cuidada selección de las obras de temática religiosa más destacadas de nuestra colección, que van cronológicamente, desde las pinturas románicas de Maderuelo, del siglo XII, hasta el Buen Pastor de Murillo, realizado hacia 1660.

Son trece obras que reflejan las principales colecciones artísticas que atesora el Museo del Prado. Dentro de la pintura española, se han escogido importantes ejemplos de la creatividad y maestría a la hora de enfrentarse con el hecho religioso de artistas como Juan de Juanes, el Greco, Ribera, Zurbarán y Velázquez. La pintura flamenca por su parte, está representada por artistas de la talla de Roger van der Weyden y Pedro Pablo Rubens. Por último dentro de la escuela italiana, se ha escogido ejemplos de la producción de Fra Angélico, Sebastiano del Piombo, Tintoretto y Veronés.

A esas obras de la colección permanente del Prado, se une, de manera excepcional, El Desprendimiento de Caravaggio de los Museos Vaticanos, que durante estos meses de verano participa del programa “ La obra invitada”, patrocinada por la Fundación Amigos del Museo del Prado.

Aunque las obras se han organizado siguiendo una numeración correlativa, no es necesario hacer una visita lineal, ordenada. Si lo desea puede ver las obras en el orden que considere apropiado”.

VIDEO DEL PROGRAMA

Distintas representaciones de la imagen de Cristo en grandes obras maestras de la pintura, incluido El Descendimiento, de Caravaggio, actual ‘Obra invitada’ del Museo, procedente de los Museos Vaticanos.

Ambientación musical: Réquiem en Re menor (K626), Wolfgang Amadeus Mozart, interpretado por la RIAS Symphonie Orchester (bajo licencia Creative Commons CC BY-NC-SA 2.5)

http://www.museodelprado.es/actividades/programa/programa-especial-jmj-2011/video/

GALERÍA AUDIOVISUAL

(Fijarse en la nota informativa  para el seguimiento de la secuencia de obras que constituyen el itinerario : «Palabra hecha imagen». EXCELENTE MATERIAL.

http://www.museodelprado.es/actividades/programa/programa-especial-jmj-2011/itinerario/

GALERÍA DE OBRAS:

La Anunciación. Fra Angélico (Sala 56B).

http://imageshack.us/photo/my-images/338/p00015k.jpg/

El Descendimiento. Roger van der Weyden. (Sala 58).

http://recursos.crfptic.es/temporal/diapo/094_Descendimiento.jpg

Ultima Cena. Juan de Juanes. (Sala52C).

http://www.educar.org/comun/semanasanta/Arte/imagenes/

LAULTIMACENAJUANDEJUANES.jpg

– Pantocrátor y Tetramorfos de Sta Cruz de Maderuelo (Segovia). Anónimo castellano del s.XII (próximo al Maestro de Sta María Tahull). (Sala51C).

C:\Users\Antía\Documents\Downloads\ARTE JMJ MADRID 2011

Descenso de Cristo a los Infiernos. Sebastiano del Piombo. (Sala 49).

http://3.bp.blogspot.com/-pZGj1O5YP9M/TZPKdjnHIsI/AAAAAAAAAGk/8kC2qAMl77I/s1600/

artepinturadescensodecristoallimbo.jpg

Adoración de los Reyes Magos. Pedro Pablo Rubens. (Sala 28).

http://www.terminartors.com/files/artworks/7/6/8/7686/Rubens_Peter_Paul-The_Adoration_of_the_Magi.jpg

El Buen Pastor. Bartolomé Murillo.

http://img4.blogs.yahoo.co.jp/ybi/1/e3/80/magtaranomaria/folder/1281170/

img_1281170_36104620_0?1300514068

La disputa con los doctores en el Templo.Veronés.

http://lh3.ggpht.com/_yNzuWkioqXo/SnAZoTKNzXI/AAAAAAAAAhU/

SEf7EWPuAI0/IC_013.jpg

El lavatorio. Tintoretto. (Sala 44).

http://arte.observatorio.info/wp-content/uploads/2007/12/el_lavatorio.jpg

Cristo crucificado (Convento benedictino de S. Plácido). Diego Velázquez. (Sala 14).

http://lh6.ggpht.com/-yt9Rx3DuKj0/SX9HH8zTd8I/AAAAAAAACHs/jssqpb56mGc/54a-Cristo-san_placido.jpg

El Descendimiento. Miguelangelo Merisi, Caravaggio. Museos Vaticanos.

http://es.m.globedia.com/imagenes/noticias/2011/7/30/descendimiento-caravaggio-obra-maestra-procedente-museos-vaticanos-prado_2_818840.jpg

Agnus Dei. Francisco de Zurbarán.

http://2.bp.blogspot.com/-Tld4DBJotBQ/ThC2pOjOcMI/AAAAAAAAANQ/yWDf3REVknY/s1600/

agnus+dei+Zurbaran.jpg

La Trinidad. José de Ribera. (Sala 8).

http://www.terminartors.com/files/artworks/7/5/6/7566/Ribera_Jusepe_de-Holy_Trinity.jpg

La Resurrección. El Greco. (Sala 9B)

http://2.bp.blogspot.com/_OG3i1o1f67E/RhkImhK4rqI/AAAAAAAAAdg/

fELcPWcf3qM/s1600/Ressurection+-+el+Greco.jpg